Ariana Grande

No hay mucho que se pueda decir sobre Ariana Grande que la gente no conozca: ha estado en el ojo público desde pequeña y recientemente, más debido a sus pasadas relaciones sentimentales. Sin embargo, Ariana ha demostrado ser una cantante no sólo increíblemente talentosa y muy comprometida con todo lo que crea, como la conceptualización de sus videos “god is a woman” y “no tears left to cry”. Ariana también ha logrado enfocar su música para que hable de sus experiencias pasadas, pero no como una víctima, sino como un ser humano que habla con honestidad de los errores que ha cometido y de las cosas que ha aprendido de ello. Así como puede mostrarse como una mujer fuerte, puede mostrarse vulnerable y eso es básicamente, lo valioso de ella. 

Lizzo

Melissa Viviane Jefferson, mejor conocida como Lizzo, había lanzado ya dos LPs de forma independiente antes de su éxito comercial con su disco Cuz I Love You (2019). En 2016 sacó un EP en donde estaba incluida la canción “Good As Hell”, la cual le trajo buena atención gracias a que es una canción pegajosísima que habla sobre sentirte de maravilla seas como seas. Lizzo es muy vocal sobre el body positivity y sus canciones reflejan los problemas que ha tenido que enfrentar con respecto a su cuerpo, pero también hablan de que no importa lo que el mundo diga, eres fabulosa como seas. El mensaje de Lizzo no sólo se queda en su música, sino que va con ella a todos lados, está en las bailarinas que la acompañan en sus shows (todas de cuerpos tan diferentes), está en sus redes sociales, en sus entrevistas y en su maravillosa persona, en general, al grado que ha captado la atención de gente como Rihanna y Missy Elliot, quienes se han declarado sus fans. 

Billie Eilish 

Billie es quizá la artista más influyente del 2019. Con tan sólo 17 años, Billie ya ha conseguido que dos de sus canciones “Bury a Friend” o “Bad Guy” la hagan sonar en TODO lo posible, desde comerciales, películas, programas de TV, festivales, etc. La música de Billie cuenta con dos factores bastante importantes: el primero, es que la música es creada y producida por su hermano, el músico y actor Finneas O’Connell; lo segundo es la franqueza con la que aborda temas como la depresión que ha vivido o sus propias experiencias y esto mismo lo ha logrado traducir a su persona fuera de la música, lo que ha hecho que mucha gente pueda “conectar” con ella de diferentes formas. 

Charli XCX

Charli no es nueva en la industria, de hecho, ya tiene un par de éxitos por su cuenta y ha estado haciendo canciones para otros artistas como will.i.am y Camilla Cabello. Su propia música, poco a poco, ha ido evolucionando y se ha ido transformando en un pop más elevado. Su música siempre incita a la fiesta sin importar si estamos escuchando una canción sobre algo tan casual como una noche de chicas o sobre un corazón roto. Su nuevo disco Charli (2019) acaba de salir al mercado e incluye colaboraciones fenomenales con Lizzo, Christine & the Queens, Haim, Troye Sivan, Yaeji y Pabllo Vittar. El proyecto de Charli XCX busca siempre ser inclusivo y hacer cosas en sororidad, sumando gente para que todo se enriquezca y esto mismo, es lo que busca proyectar hacia los demás. 

Miley Cyrus

Miley creció en el ojo público y mucho ha pasado desde sus años de estrella de Disney como Hannah Montana. Si bien, eligió dejar atrás hace mucho tiempo esa imagen de forma estrepitosa, siempre se ha mantenido fiel a sí misma. El más reciente material de Cyrus, She is Miley Cyrus (2019), se acerca mucho a su vida personal –que siempre ha sido bastante pública– y sus canciones hablan sobre sus propios errores, sus deseos y sus dolores. Además de estar en los tabloides, Cyrus dedica mucho tiempo a sus diferentes labores filantrópicas como luchar por los derechos de la comunidad LGBTQ+ o salvar animales en peligro de extinción. En estos meses, mucho se ha hablado de ella después de su divorcio, sus posteriores relaciones y su bisexualidad, sin embargo, ella ha decidido canalizar todo esto a través de su música, creando un sonido honesto en el cual, a veces deja salir sus raíces country como en su canción “Slide Away.

Kacey Musgraves

Ok, esta no es popera, pero la música de Musgraves poco a poco va haciendo el salto de las estaciones de radio y listas country para posicionarse en el pop. Musgraves está revolucionando el country, generando canciones con letras que desafían un ambiente tan tradicional y conservador, hablando de la aceptación de la comunidad LGBTQ+, sexualidad consensuada y protegida y cuestionando creencias religiosas. El sonido de Musgraves, especialmente en su más reciente disco Golden Hour (2018) toma influencia de artistas de otros géneros como Weezer, Imogen Heap y Bryan Adams, tomando elementos también del disco y del psych rock para condimentar su sonido, dando como resultado un nuevo country que puede ser adictivo hasta para los más renuentes.

El 11 de septiembre de 2001, Nueva York sufrió un golpe devastador después del ataque a las Torres Gemelas, lo cual además de repercutir en la política mundial, mermó considerablemente el espíritu de la que antes era “la ciudad que nunca duerme”. Recuperarse fue difícil y justamente fue a partir de la música que la ciudad comenzó a revivir. Con el surgimiento de bandas como The Strokes, Yeah Yeah Yeahs, Interpol y muchas otras más que llegaron de otros lados para buscar nuevas oportunidades, una nueva escena musical creó un estruendo en la ciudad que había quedado en silencio. 

Por poco más de 10 años, este movimiento musical no sólo reestructuró la ciudad, –cambiando la demográfica de Nueva York, “colonizando” Williamsburg y gentrificando Brooklyn–, sino que también le dio una nueva forma a la industria musical a partir del internet, el surgimiento de nuevos medios (como Vice y Pitchfork) y las nuevas tecnologías. Lizzy Goodman hizo un recuento de esta década a partir de su experiencia como habitante, testigo y también de su trabajo como periodista musical. Goodman entrevistó a decenas de personalidades que fueron los protagonistas de aquella década y recopiló todo en el libro Meet Me in the Bathroom: Rebirth and Rock and Roll in New York City 2001-2011 (2017). El libro recoge los testimonios de los integrantes de TV on the Radio, Yeah Yeah Yeahs, Interpol, LCD Soundsystem, The National, Vampire Weekend, The Rapture, The Kills, Kings of Leon, MGMT, The Strokes, además de personas como Jack White, Kim Gordon (Sonic Youth), el periodista de música y cultura pop Simon Reynolds, Brandon Flowers (The Killers), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), los fundadores de disqueras como Matador, DFA y Third Man Records, así como publicistas, managers, bloggers, modelos, actores, diseñadores y fotógrafos que vivieron de cerca todo esto.

Durante el mes de septiembre, en la galería The Hole en Nueva York, se realizó una exhibición inspirada en el libro la cual fue presentada por Vans. La exhibición fue curada por Lizzy Goodman y la directora de cine Hala Matar y reúne piezas que ilustran la crónica de Goodman. Fotografías, instalaciones, flyers y otras piezas formaron parte de esta exhibición, en la cual podían encontrarse algunos de los vestuarios usados por Karen O de los Yeah Yeah Yeahs diseñados por Christian Joy, la sesión fotográfica que Colin Lane tomó para la portada del Is This It? de The Strokes, algunas pinturas de Paul Banks de Interpol, instalaciones de Spike Jonze y de Michel Gondry, dibujos de Tunde Adebimpe de TV on the Radio, una pintura de Luke Jenner de The Rapture, fotografías de Nick Zinner de Yeah Yeah Yeahs, el arte original de la portada de Show Your Bones que hizo Julian Gross, pinturas de Alison Mosshart de The Kills y varios objetos más creados por los mismos músicos, fotógrafos, artistas plásticos y cineastas que retratan la estética y momentos claves de ese movimiento.

The Hole remitía a los muros y los baños de los bares de lugares como CGBG o cualquier otro “dive bar” de la época mientras que se escuchaba el soundtrack de esos años. Se hicieron durante el mes que duró la exhibición pláticas con algunos de los músicos que participaron, firmas de libros, incluso cocteles con DJs invitados, una de ellas la propia Lizzy Goodman. Todas las obras estaban a la venta, algunas que iban desde los $800 dólares hasta los $100,000.

Acá pueden ver más piezas de la expo.

Es un hecho innegable que Star Wars es una de las sagas cinematográficas más redituables. Nos ha dado 10 películas (próximamente 11 con The Rise of Skywalker y sin contar las películas para TV, animadas o sobre ewoks), videojuegos, series de TV y series animadas. Sin embargo, hay un producto que quizá no ha recibido la atención que merece: Star Wars Rebels.

Hecha en conjunto con el canal Disney XD, esta serie animada se enfoca en un grupo de mercenarios que poco a poco se van convirtiendo en parte clave de la Alianza Rebelde y combaten al Imperio, llamados Escuadrón Fénix, a la vez que uno de ellos busca convertirse en Jedi en una época en la que los Jedi se han extinto. La historia toma lugar en el tiempo entre Episodio III: Revenge of the Sith y Episodio IV: A New Hope.

Rebels es producida por Dave Filoni, quien ahora está a cargo junto con Jon Favreau del proyecto The Mandalorian, para Disney+. Filoni es un gran fan de Star Wars, por lo que buscó que la serie le hiciera justicia al universo original por lo que se inspiró en el arte conceptual que hizo Ralph McQuarrie para la trilogía original para crear algunos personajes, ciudades y escenas.

Si bien, Rebels no ha sido extremadamente popular (a diferencia de la serie animada de Clone Wars que lleva 7 temporadas), se ha convertido en una serie de nicho entre los fans de la saga y la crítica, principalmente por su historia y el desarrollo de sus personajes, lo cual no se limita únicamente a los personajes principales.

El escuadrón Fénix está compuesto por:

Ezra Bridger: Cuando inicia la historia, Ezra tiene 14 años y vive solo en el planeta Lothal. Cuando se encuentra con el Escuadrón Fénix, Ezra no sólo los ayuda, sino que demuestra tener sensibilidad a la Fuerza, por lo que se les une para desarrollar sus habilidades y ayudar a la Rebeión.

Hera Syndulla: Es el corazón del equipo y es quien lo mantiene unido. Una hábil piloto Twi’lek quien comienza a dirigir al equipo hacia la Alianza Rebelde. Ella y el Ghost (la nave del Escuadrón Fénix) son como uno mismo y cuida su nave como otro integrante del equipo. Su padre es también líder de la resistencia en su planeta Ryloth.

Kanan Jarrus: Sobrevivió la Orden 66 cuando era sólo un padawan y desde entonces ha mantenido un bajo perfil con respecto a sus orígenes Jedi. Comonunca pudo terminar su entrenamiento, nunca se convirtió en un Maestro Jedi, sin embargo, hará todo lo posible por ayudar a Ezra con su entrenamiento. Kanan y Hera se conocen desde hace mucho tiempo y complementan perfecto en el liderazgo del escuadrón.

Sabine Wren: Una joven mandaloriana experta en explosivos y en graffiti, por lo que siempre que atacan un objetivo del Imperio, deja un graffiti con el símbolo del escuadrón. Sabine es una exiliada de Mandalore, por lo que a lo largo del programa vemos cómo entra en conflicto con su gente y su pueblo y cómo intenta resolverlo.

Garazeb “Zeb” Orelios: Zeb es un guerrero Lasat que funciona como la fuerza bruta del equipo. Aunque el carácter de Zeb es en un principio un poco hostil, poco a poco va desarrollando buenas amistades con diferentes personajes de la serie.

C1-10P aka Chopper: El droide del equipo. Fue rescatado por Hera después de que se estrellara en Ryloth durante las Clone Wars y ella lo rearmó. Chopper es malhumorado (todo lo contrario a otros droides de la saga como R2-D2 y BB-8), sin embargo es también un elemento fundamental del equipo. El diseño de Chopper es quizá lo más claro de la inspiración de McQuarrie, ya que está basado en los primeros diseños de R2-D2

Existen además otros personajes que forman parte importante de la historia conforme esta avanza, sin embargo, entrar en detalles sobre ellos sería spoilear muchísimo varios plot twists super interesantes que tiene esta serie y que hacen que uno permanezca cautivo durante las 4 temporadas.

El gran mérito de Rebels es que logra contar otra historia del universo de Star Wars usando personajes completamente nuevos (hay algunos cameos de los personajes ya clásicos como Leia y Lando, pero precisamente se quedan en cameos) y de manera fresca e interesante. No sólo entendemos mejor cómo funciona la Rebelión desde otra perspectiva, sino que también tenemos un desarrollo de personajes tan complejo como el de las películas. Cada uno de los personajes desarrolla su propia línea narrativa, es decir, no dependen en grupo de que la historia de Rebels se desarrolle, puesto que cada uno viene de un entorno al cual ya no pertenecen más y siguen buscando un lugar al cual pertenecer. A la vez, tiene momentos sumamente emotivos que justo hacen que la serie vaya más allá “rellenar” un hueco en el plot general de la historia de los Skywalker.

Rebels es una serie que pueden disfrutar aquellos que nunca han visto nada de Star Wars y que igual pueden disfrutar mucho los fans más clavados. Rebels consigue en tan sólo 4 temporadas algo que no está consiguiendo tan fácilmente la nueva franquicia de Star Wars, no sólo en cuanto a historia sino en cuanto a conseguir que el público se enganche con sus personajes y se conmueva con sus historias, por lo que sería un buen referente de a dónde podrían ir con la saga después de Episodio IX.

Por definición un anti héroe es aquel protagonista que es el héroe de la narración, pero no necesariamente se comporta como uno, algo más cercano a lo que sería uno en el mundo real, con defectos y matices. A lo largo de la historia hemos tenido antihéroes en muchas formas de cultura popular. Es en el cómic tradicional donde hay más ejemplos de antihéroes, como Punisher, Deadpool, Wolverine, todos los Guardianes de la Galaxia, Gambit, Venom, Loki y Black Widow.

James Bond es también otro ejemplo, quien para salvar al mundo una y otra vez, a veces ha tenido que matar, utilizar gente e incluso tratar a las mujeres como objetos. En todas las versiones de Dragon Ball ha existido uno, pero quizás el más trascendente es Vegeta, cuyo rol es crucial en muchos sentidos para bien y para mal. A lo largo de la literatura, la TV y el cine los antihéroes cumplen con un papel fundamental, dándonos personajes con matices más complejos.

Aquí hay sólo unos pocos ejemplos de los mejores antihéroes. Ojo: hay spoilers en el texto.

Killmonger (Black Panther)

Pocas veces hemos sentido debilidad por esperar que “el malo” gane como pasó en Black Panther (2018). Con Michael B. Jordan interpretando al villano Killmonger era sencillo sentir un poco de debilidad por él, pero al entender el origen y los motivos de su personaje para llegar y reclamar el trono de Wakanda era más complejo determinar si su personaje estaba tan mal. Algunos identifican a Killmonger más como un antivillano, es decir, un villano que tiene metas heroicas, pero métodos malvados y un propósito malvado, pero justo este personaje trabaja en la línea delgada que hay entre ambos conceptos.

Killmonger reclama el trono de Wakanda después de que se conoce que tiene sangre real, todo con el fin de sacar los recursos del reino hacia otros países de África y otras partes del mundo en donde la comunidad afrodescendiente no tiene los medios para darle la vuelta a un sistema que los ha relegado. Deep shit, right?

¿Qué es mejor? ¿Que Wakanda y sus recursos sigan en secreto con T’Challa o que se usen sus recursos y tecnología para mejorar la vida de otros bajo el mando de Killmonger? Killmonger es antihéroe porque aunque sus métodos son cuestionables y bélicos (dependen completamente de sus circunstancias y sus orígenes que recurrió al ejército para sobrevivir), sus intenciones no son del todo malas. Además de demostrar que, dentro de todo, tiene ideales.

Jaime Lannister (Game of Thrones)

Desde el primer capítulo de Game of Thrones nos damos cuenta de la clase de persona que es: un héroe de guerra que tiene una relación incestuosa con su hermana y es capaz de asesinar a un niño para proteger a Cersei, sin mencionar el referente de que es el “matarreyes” por haber asesinado al “Mad King”… atacándolo por la espalda.

Conforme la serie avanza, no sólo vamos conociendo más matices de Jaime, sino que vemos cómo –a pesar de ser un Lannister y estar del lado siniestro de la historia– tiene momentos de heroísmo, compasión y honestidad (salva a Brienne del oso de Locke, de ayudar a Tyrion a huir, etc.). Aunque Jaime demuestra lealtad a su familia constantemente, también es capaz de cuestionar a Cersei y sus decisiones. Pese a todo, no podemos evitar que Jaime nos caiga bien e incluso esperar que al menos sobreviva “el juego de tronos” o a los white walkers.

Finn (Star Wars)

En la nueva saga de Star Wars conocemos a Finn, un stormtrooper que decide dejar la Primera Orden en su primer combate. El problema con Finn no son sus orígenes como stormtrooper, sino su egoísmo. Desde The Force Awakens demuestra que su interés no es ayudar a la Resistencia, sino huir de la Primera Orden, incluso al ayudar a destruir la base Starkiller su interés es salvar a Rey.

En The Last Jedi, Finn intenta abandonar a la Resistencia para “salvar a Rey” (que aquí hay una complejidad sobre lo que implica “salvarla”, que es alejarla del lugar a donde ella espera regresar sin que ella lo sepa ni lo consienta, lo cual también está mal) y su único motivo para acabar con la Primera orden es, aparentemente, una especie de venganza personal. Finn carece de rasgos heróicos innatos, sin embargo sus acciones tienen consecuencias afortunadas para el resto de la galaxia.

Dominic Toretto (Fast Furious)

De delincuente a héroe internacional, Dominic Toretto de la saga de Fast & Furious es un antihéroe ya clásico del cine. Sí, ha salvado al mundo en varias ocasiones. Sí, es un hombre que pone primero a su familia y equipo… PERO, el tipo ha robado autos, bancos, autopartes, casi mata a un hombre a golpes, ha matado por ahí a un par de (varias) personas, corre autos ilegalmente sin importar quién se le atraviese, ha trabajado con matones y mafiosos, por mencionar sólo algunas cosas.

Para que le retiren los cargos y pueda ganar su libertad, Toretto se convierte en héroe internacional que trabaja con la CIA y salvará a su país e incluso al mundo de amenazas terroristas ¿por qué no?

Debajo de esa capa exterior fuerte, ruda e inmutable, se esconde un hombre que sólo quiere hacer lo necesario para que las personas que ama estén bien.

El “gonzo” surgió cuando figuras como Hunter S. Thompson y otros periodistas decidieron incluirse a sí mismos en sus historias, cambiando incluso el objetivo de las mismas, exagerándolas, valiéndose del uso de alcohol y drogas para “dar otra perspectiva” a la historia e incluso textos sin edición.

El primer artículo que fue denominado con este término fue escrito precisamente por Thompson para The Boston Globe y llevaba por nombre “The Kentucky Derby is Decadent and Depraved”, el cual contó con las ilustraciones de Ralph Steadman. El editor de The Boston Globe, Bill Cardoso, fue quien de algún modo “acuñó” el término, refiriéndose a una palabra que se usaba entre los irlandeses de Boston para referirse a los maratones de bebida que duraban toda la noche.

Hunter S. Thompson se convirtió en el abanderado de este movimiento, especialmente después de su novela Fear and Loathing in Las Vegas. La novela estaba basada en hechos reales que tenían una capa de ficción y seguía a Raoul Duke –un alter ego de Thompson– y a su abogado el “Dr. Gonzo”, que era el personaje que aludía al escritor chicano Oscar Zeta Acosta, por Las Vegas en 1971. Una novela surreal y con una narrativa dispersa que justo busca emular al viaje que tuvieron Thompson y Acosta por aquella ciudad en 1971 y a su consumo de estupefacientes para maximizar su experiencia. También retrata la decadencia del “sueño americano” a principios de los años 70, cuando los ideales de los años 50 y 60 se mostraban ya anticuados (e imposibles). Sin duda, Fear and Loathing… se convirtió en un clásico de culto, parte fundamental de la contracultura y un ejemplo pivotal del “gonzo” y todo esto también gracias al sello de las ilustraciones de Ralph Steadman.

En 1998, Terry Gilliam dirigió una adaptación cinematográfica de la novela –igual, ya un clásico de culto– y en gran parte su visión se debe al trabajo de Steadman, el cual logra traducir a la perfección.

El “gonzo” fue un género popular durante los años 70, sin embargo, su influencia ha permanecido y aún permea en gran medida parte del periodismo actual, de documentales y de la reality TV. Además, ha sido de gran utilidad para los estudios etnográficos y sociales contemporáneos, así como para el estudio de las ciudades y su desarrollo.

Hace apenas unos meses, Lizzie Armanto intentó algo osado y repitió el giro de 360º que Tony Hawk había conseguido hacer más de 10 años antes. Incluso en 2008, Tony invitó a varios amigos a intentar hacer el mismo salto que él (aquel día sólo Alex Chalmers consiguió hacer el giro sin fallas) por lo que lo que intentaba hacer Armanto era aún más importante, si lo conseguía no sólo se uniría a unos pocos que han conseguido hacer el giro, sino que se convertiría en la primera mujer en conseguirlo.

Lizzie Armanto nació en 1993 hija de padre finlandés y madre estadounidense. Comenzó a patinar junto con su hermano, pero en breve ella comenzó a progresar significativamente. En pocos años, Lizzie se ha hecho de más de 30 premios, entre ellos la primera medalla de oro dada en la categoría femenil de Skateboard Park en los X Games a los 20 años.

Armanto gradualmente se ha hecho un buen nombre en el skate, no sólo como una de las mujeres más audaces, sino como una competidora feroz que puede ponerse a la altura de los grandes, incluso uno como Tony Hawk.

El 26 de agosto de 2018, Lizzie acudió al mismo lugar donde 10 años antes, Tony Hawk convocó a sus amigos a intentar el loop. Cuando Tony lo consiguió, tenía casi 40 años, Chalmers poco más de 30. Lizzie Armanto lo intentó con 25 años y esto sucedió:

Lizzie Armanto es una fuerza imparable que apenas está comenzando a despegar. A los 25 años ha logrado uno de los giros más complejos que apenas unos pocos han conseguido. El próximo año será parte del equipo olímpico de skateboard de Finlandia, el cual debutará en los JJ.OO. de Tokio.

Los logros de Lizzie Armanto son muchos y apenas comienzan, será interesante ver qué es lo que consigue en los próximos años, con más práctica, con más experiencia.

No hay duda alguna de que David Bowie es uno de los artistas más influyentes de los últimos 50 años. Sería imprescindible empezar por su música, pero su legado va más allá de su sonido, va desde su estilo, su persona, hasta su vida fuera de los escenarios.

En diversas vetas de la cultura pop, muchos artistas le han rendido tributo a lo largo de los años, cada uno imprimiendo un toque único y rindiendo homenaje a alguna de las miles de caras de Bowie, más allá de los usos que se le dan comúnmente a sus fotografías.

En 2011, el artista Andrew Kolb reimaginó “Space Oddity” como un libro para niños (probablemente la peor historia para adaptar). Kolb hizo un una versión gratuita digital del libro, la cual se pudo descargar por un corto periodo de tiempo, sin embargo, lamentablemente nunca existió una versión física. A pesar de que las ilustraciones de Kolb eran increíblemente tiernas, lograban transmitir la tristeza y la angustia de la canción. Puedes leerlo completo aquí.

Por otro lado, el dueto neozelandés Flight of the Conchords exploró muchísimos géneros y vetas en las dos temporadas de su serie en HBO, haciendo pequeños homenajes a diferentes artistas, pero probablemente el más claro fue el que hicieron a Bowie en el sexto episodio de la primera temporada, el cual gira en torno a él y además tiene una canción que no sólo es una especie de reinterpretación de “Space Oddity”, sino que también emula su particular tono de voz y pregunta algunas cosas que quizás nos hemos preguntado. La mala noticia es que la producción se acercó a Bowie para que hiciera un cameo en el programa, pero él rechazó la oferta.

Jemaine Clement, integrante de Flight of the Conchords, es un gran fan de Bowie –como quedó demostrado con el ensayo que escribió sobre el episodio y la canción que hizo como tributo– y su esto no sólo se quedó en la serie, sino también quedó plasmada en Moana (2016). En la película, Clement ayudó a Lin-Manuel Miranda a escribir la canción “Shiny”, la cual él mismo interpreta, como el cangrejo/monstruo Tamatoa, la cual de acuerdo a Clement y Miranda, es un tributo al músico.

El legado de Bowie va más allá de tributos en la cultura pop, está reflejado en acciones que empezaron a plantar semillas en pequeñas cosas que vemos hoy en día. En 1983, mientras Bowie promocionaba su éxito “Let’s Dance” fue entrevistado por Mark Goodman para MTV y aprovechó la plataforma para cuestionar la falta de artistas afroamericanos en la programación del canal (el cual llevaba dos años ya al aire). La pregunta de Bowie partía de una falta de inclusión en una plataforma que estaba estallando y convirtiéndose en uno de los medios más importantes para los artistas. Bowie fue uno de los artistas que disparó el debate en torno a la falta de inclusión y diversidad en la música que MTV programaba, especialmente después de que Mark Goodman respondiera que esta decisión obedecía a “poner la música que la mayoría del país quería escuchar”.

El profundo respeto que Bowie sentía por la cultura afroamericana, especialmente, por la música soul y el funk, le sirvieron como inspiración para sus discos Young Americans y Station to Station, con los que llegó a presentarse en el exitoso programa de música “Soul Train”, el cual es una piedra angular en la cultura pop afroamericana. A pesar de no haber sido el primer artista blanco en presentarse en el show, su presentación queda guardada en los anales de la historia como una de las más emblemáticas en el programa que duró más de 30 años al aire.

La influencia de Bowie en la moda es innegable. Diseñadores tan importantes como Jean-Paul Gaultier, frecuentemente lo citaban como una fuente de inspiración –como se puede ver en las colecciones de Gaultier de 2011 y 2016. También Hedi Slimane quien quedó al frente de la marca Yves Saint Laurent declaró su admiración por Bowie y lo nombró como una de sus influencias.

Si bien Bowie siempre estuvo ligado al mundo de la moda a través de diferentes diseñadores, fue él quien dio una de sus primeras oportunidades a uno de los diseñadores más influyentes de las últimas décadas: Alexander McQueen. El joven McQueen era tan sólo un recién egresado de la universidad cuando Bowie le encargó el diseño del abrigo con la bandera del Reino Unido que aparece en la portada del disco Earthling y que además utilizó durante la gira.

El artista brasileño Butcher Billy, cuya obra consiste en crear imágenes a partir de íconos musicales y otras referencias de la cultura pop como la TV, películas o cómics, también nombra a David Bowie como una de sus influencias y creó una serie para rendir homenaje al artista. Checa todo el proyecto acá.

Quizá el legado más grande de Bowie es su genio para el performance, no sólo reinventándose a partir de cada disco, sino creando un performance a partir de su vida y su muerte. Por un lado, en 2015 Bowie estrenó el musical Lazarus, en el cual un hombre no puede morir. El musical está basado en la novela The Man Who Fell to Earth (cuya película protagonizó Bowie) e incluye canciones de Bowie y está protagonizado por Michael C. Hall (Hannibal, Six Feet Under). Hall no sólo consigue dar una actuación excelente, sino que consigue emular la voz de Bowie por momentos, por la misma razón, fue el encargado de ayudar a Bowie a promover en vivo su disco Black Star en diferentes programas de TV.

Por su parte Black Star, el último disco de Bowie y el 25º en su carrera, fue lanzado apenas dos días antes de la muerte del artista y en el día de su cumpleaños 69. Dos días nos tomó darnos cuenta de que el último disco de Bowie era el canto a una estrella que estaba a punto de extinguirse, que era una carta de despedida y que Bowie había hecho un álbum para anunciar su muerte.

Mucho antes de su muerte en 2016, la presencia de Bowie en la cultura pop era fuerte y recurrente. Sus diferentes facetas, su música, su carrera cinematográfica, su influencia como ícono de moda, su activismo, su fluidez de género, inquietud literaria, son sólo algunas de las razones por las que su legado ha permanecido. Lo que toca ver es si somos capaces de seguir reinventando a Bowie, si somos capaces de emular lo que en vida tanto buscó, si podemos seguir dándole vida a través del arte y si podemos hacerle justicia a su legado.

The Umbrella Academy es un cómic creado por Gerard Way –el vocalista de My Chemical Romance– con ilustraciones de Gabriel Bá. La serie de cómics, que hasta ahora ha publicado 3 volúmenes en EE.UU., sigue la vida de la familia Hargreeves desde sus orígenes. El 1 de octubre de 1989 nacieron 43 niños en circunstancias misteriosas (ninguna de las mamás estaba embarazada cuando comenzó el día), de los cuáles Sir Reginald Hargreeves, un filántropo millonario, compró a 7 de ellos y los cría para aprovechar sus habilidades especiales y que se convirtieran en un grupo de superhéroes llamado The Umbrella Academy, cuya misión es proteger a la humanidad del apocalipsis.

Después de una niñez llena de hazañas, de ser criados por un hombre frío y distante, la muerte de uno de ellos y la desaparición de otro, The Umbrella Academy se separa. Los hermanos Hargreeves se vuelven a unir muchos años después con la muerte del patriarca, la cual coincide con la reaparición de No. 5, quien regresa para advertirles que tienen una semana para detener el fin del mundo. Juntos tendrán que detener el Apocalipsis, eso si consiguen unirse como familia.

Estos son los hermanos Hargreeves:

No. 1 (Luther): Es el líder del equipo, posee fuerza y resistencia sobrehumanas, por lo mismo, después de una misión fallida en la que casi pierde la vida, Sir Reginald le hace una cirugía experimental que le cambia la vida. Es interpretado por Tom Hopper quien apareció en Black Sails y muy brevemente en Game of Thrones.

No. 2 (Diego): Es el rebelde del grupo y siempre está compitiendo con No. 1. Tiene una gran destreza para lanzar cuchillos. El mexico-americano David Castañeda (Sicario) es el encargado de interpretarlo.

No. 3 (Allison): Su nombre clave es “Rumor” pues su poder es manipular la realidad a su gusto cada vez que dice algo con la frase “Escuché el rumor de que…”, lo cual la ha llevado a conseguir una exitosa carrera en el mundo del cine… entre otras cosas. Emmy Raver-Lampman hace su debut en TV con este papel, después de una carrera en teatro, donde fue parte del ensamble de Hamilton.

No. 4 (Klaus): Tiene el poder de contactar a los muertos, por lo mismo, nunca está sobrio pues evita a toda costa tener contacto con el más allá. Lo interpreta Robert Sheehan, quien fue parte del elenco de la serie británica Misfits.

No. 5 (No. 5): Su poder es hacer saltos en el espacio/tiempo. Cuando tenía 13 años, intentó por primera vez hacer un salto en el tiempo para desafiar a Sir Reginald y viajó 27 años en el futuro y no pudo regresar. Ahí descubrió que el mundo terminaba (el verdadero apocalipsis para el que fueron reunidos), incluyendo a los integrantes de la Umbrella Academy que no pudieron hacer nada para evitarlo. No. 5 pasa los siguientes 45 años tratando de regresar y advertirles. Cuando por fin lo consigue, su cuerpo queda como el de un niño de 13 años, con la mente de un hombre de 58. El increíble Aidan Gallagher fue el elegido para este papel, demostrando que sus días en shows de Nickelodeon ya quedaron atrás.

No. 6 (Ben): El hermano Hargreeves que falleció. Poseía monstruos de otras dimensiones bajo la piel los cuales podía utilizar para atacar a sus enemigos. Ya que está muerto, está siempre en contacto con Klaus (es de hecho al único que Klaus puede ver cuando no está sobrio). Este es el primer papel importante de Justin H. Hin.

No. 7 (Vanya): Es la hermana que no muestra ninguna habilidad sobrehumana, excepto por un talento decente para tocar el violín, por lo mismo siempre se ha sentido apartada del resto de sus hermanos. Ellen Page la interpreta.

Al separarse el equipo, cada uno de los hermanos Hargreeves intenta forjar su propio destino como individuo, sin embargo, poco a poco se van dando cuenta de que es más difícil alejarse de la familia que lo que ellos esperan y más cuando se trata de una familia que tiene la atención de todo el mundo y que está fracturada al interior.  

The Umbrella Academy no es una serie que busca seguir el camino de superhéroes en la TV que ha trazado anteriormente Netflix con las series de Marvel, ni las de DC Comics con CW (Warner TV); ni siquiera acercarse a lo que en su momento intentó Héroes (ABC) e incluso se aleja considerablemente del cómic que es su fuente de inspiración. Para la primera temporada, la serie toma elementos de los primeros dos volúmenes del cómic (Apocalypse Suite y Dallas) y los transforma en algo diferente, pero al mismo tiempo, lo suficientemente familiar para los fans del cómic.

The Umbrella Academy, tal como los hermanos Hargreeves, busca encontrar su propio camino y su propia forma de recorrerlo. La serie de TV deja atrás toda la insanidad y la tremenda violencia de los comics y rescata a sus personajes, dándoles la oportunidad de desarrollarse a nivel emocional (en la medida de lo posible).

Al final, ésta no es una serie de superhéroes que tienen aventuras, es una serie sobre personas con vidas y problemas propios que además tienen superpoderes y también tienen carencias: ninguno de los hermanos Hargreeves ha tenido una relación estable con su padre, ninguno conoce toda la verdad sobre lo que sucede ni sobre ellos mismos, y de alguna forma, ninguno puede tener amor. Justo todas estas carencias los hacen vulnerables, pero es en conjunto que todos estos huecos pueden ser subsanados. A la vez, ninguno de los integrantes de The Umbrella Academy es un héroe excelso, no tienen trajes deslumbrantes –aunque Diego, se esfuerza en tener uno–, ni están libres de pecado, ni tienen una vida perfecta, ni siquiera No. 1 que es la estrella del equipo, lo cual los vuelve aún más mundanos, con historias más sencillas de identificar.

Si logran sobrepasar la aburrida actuación de Ellen Page y la rara actuación de Mary J. Blige (que no sé qué hace ahí, es magnífica cantante, pero mala actriz), descubrirán que Aidan Gallagher (No. 5) y Robert Sheehan (Klaus) son de lo mejor de la serie y sin duda, estarán entretenidos a los largo de los 8 capítulos y se quedarán clavados listos para una (posible) segunda temporada. A la salida de las series de Marvel en Netflix, Umbrella Academy llega a abrir una nueva puerta para esta plataforma, la cual, espero, quede abierta.

Teniendo como hogar las paradisiacas playas de Hawaii, comenzó su carrera como surfista a temprana edad. Empezó a calificar en el ASP Junior World Tour desde que tenía 14 años y fue miembro del equipo mundial junior de Hawaii desde los 13. Desde entonces, Leila Hurst no ha dejado de ser una de las surfistas más feroces a nivel mundial y es parte del Vans Surf Team.

Además de recorrer el mundo surfeando con el equipo de Vans (y filmando en ocasiones), Leila Hurst también ha colaborado en la creación de diferentes colecciones para Vans desde hace algunos años. El espíritu aventurero de Leila y su creatividad la han llevado a crear piezas codiciadas y colecciones icónicas para Vans Girls. Ella menciona constantemente que su inspiración son los viajes que hace –y que le apasionan– y surfear con sus amigas, lo cual se puede ver reflejado en sus colaboraciones, donde encontramos piezas super girly y que a la vez son súper cómodas y prácticas. El estilo de Leila es ya muy característico: piezas que remiten a los clásicos de Vans, pero con un twist y que son súper atractivas para surfistas y no surfistas también.

Hoy en día, Leila divide su tiempo libre entre la isla de Kauai y California, también da clínicas de surf y es voluntaria en algunas organizaciones con Life Rolls On Foundation, que ayuda a mejorar las vidas de jóvenes con lesiones de columna. Ya sea montando una ola en las hermosas playas de México o en las indómitas costas de Alaska, Leila es una mujer que desafía sus propios límites e inspira a otros a hacerlo.

Actualmente, Leila Hurst está lanzando su más reciente colección con Vans y está en llamas.

Son aquellas que tienen características que las hacen geniales. Es algo más que la fuerza física o agilidad, es más que ser la más inteligente. Se trata de combinar todo esto y usarlo para algo especial, de hacer algo por los demás, o de hacer lo que ellas quieran. El cine está lleno de heroínas de diferentes formas y personalidades y hay para todos los gustos, para cada momento o estado de ánimo posible. Estas son sólo algunas de las que debes conocer para inspirarte:

Gamora – Guardians of the Galaxy

(Zoe Saldana)

Hija (adoptiva) de uno de los villanos más poderosos del universo Marvel y por lo mismo, siempre busca hacer lo mejor para la galaxia, sin importar lo que le cueste. Gamora es inspiradora porque su fuerza va más allá de lo físico, ya que ha tenido que atravesar por miles de cosas, comenzando por la muerte de sus padres. Ella es generalmente la voz de la razón en los Guardianes y por lo mismo, es ella la que en muchas ocasiones tiene que poner orden, pero también siempre está lista para una buena pelea si es necesario. 

Princesa Leia – Star Wars

(Carrie Fisher)

La princesa Leia es más allá de la típica princesa que espera a ser rescatada. En Star Wars, pasa de ser rescatada a tomar un arma para ayudar en su propio rescate, a ser una de las líderes más importantes de la Alianza Rebelde sin dar un paso atrás ni comprometer nada. Mucho se ha discutido sobre lo que Leia ha tenido que soportar a lo largo de la saga de Star Wars y cómo se ha conducido, desde su captura y tortura, pasando por la destrucción de su planeta hasta ir perdiendo gradualmente a su familia. Leia es uno de los mejores ejemplos de kick-ass chicks, ya que no sólo tiene claridad e inteligencia, sino que tampoco teme ensuciarse cuándo se trata de defender sus ideales o a la galaxia.

Imperator Furiosa – Mad Max: Fury Road

(Charlize Theron)

En el mundo post apocalíptico de Mad Max, ser un buen conductor es clave para sobrevivir e Imperator Furiosa es definitivamente la mejor. Furiosa es una kick-ass chick porque no sólo es la mejor, sino que es tremenda peleadora y además, no le importa perder la vida con tal de buscar la libertad y ayudar a otras mujeres a ser libres. A lo largo de su viaje, Furiosa va demostrando que no tiene rival. 

Black Widow – The Avengers

(Scarlett Johanson)

Natasha Romanof (o Black Widow) es una espía que busca redención incorporándose a S.H.I.E.L.D. y a los Avengers. Su pasado es obscuro y violento, sin embargo Natasha intenta desprenderse de él y no ser definida por sus acciones, por lo que constantemente está intentando salvar al mundo. Comparada con otros Avengers, Black Widow no tiene fuerza sobrenatural ni ningún otro poder, por lo que es aún más impresionante lo que consigue con sus habilidades físicas y mentales. Al mismo tiempo, Black Widow está consciente de sus limitaciones y siempre busca la manera de aprovechar de la mejor manera sus capacidades, sin mencionar que es también compañera incondicional.

Olive Penderghast – Easy A

(Emma Stone)

En Easy A, Olive es una chica de preparatoria que miente a su mejor amiga sobre haber perdido su virginidad, Olive usa su “nueva reputación” para ayudar uno de sus compañeros a ocultar su homosexualidad de otros chicos que lo molestan pretendiendo que tienen relaciones. Así y poco a poco las pequeñas mentiras de Olive van creciendo como bola de nieve conforme ella va ayudando a diferentes chicos que son víctimas de bullying y haciendo parecer que tiene relaciones con ellos. Sí, suena raro, pero lo siguiente es lo importante: a Olive poco le importan los rumores sobre ella, su inteligencia y su sentido del humor le ayudan a ver todo “el problema” desde otra perspectiva y al final sigue ayudando a otros. Olive no se toma muy en serio, pero sabe perfectamente quién es y es esta certeza la que la hace diferente a otros de su edad.

Hermione Granger – Harry Potter

(Emma Watson)

Un tipo diferente de Kick-ass chick. Hermione es uno de los personajes más queridos de la saga de Harry Potter y con justa razón: su inteligencia, su sensibilidad y su tenacidad hacen que cualquiera quede prendado de ella. Sin Hermione, probablemente Ron y Harry hubieran muerto en el primer libro/película, pero es gracias a su inteligencia que el grupo logra y resolviendo cada uno de los problemas que se les pone enfrente. Hermione es un poco el hilo que mantiene atado al grupo en cada aventura y sin problemas, podría resolver todo por sí sola, pero es mejor hacerlo con amigos. Siempre tiene metas claras y altas y no dejará que nadie se interponga, pero tampoco pisará a nadie en su camino.