No obstante, dicho fenómeno no sucedía con los libros de literatura. Que por mucho tiempo, su diseño fue un asunto estandarizado en cubiertas de aburrimiento pretencioso, sobretodo en Latinoamérica.

Por eso, cuando te encuentras con Las Buenas Costumbres en la mesa de novedades de las librerías, o circulando en la red en tiempos de cuarentena sanitaria, es inevitable dejarse hipnotizar por su portada y averiguar de que se trata. Y como sucedía con los discos de Lush o KMFDM, te das cuenta que estás ante una gran novela, incluso para quienes no tenían a Muñoz Oliveira en el radar. Porque Luis es un intenso escritor ya con varios libros recorridos, tanto de ficción como de filosofía, en donde se ha especializado en desmenuzar conceptos como la ética, moral y tolerancia, que hoy día se usan con una ligereza mercantil preocupante.

Pero Las Buenas Costumbres no se queda en la estética de una portada pocamadre. Se trata de un trabajo de reescritura perteneciente a la colección Combate a 10 de Dharma Books, que consiste en volver teclear, desde la primera letra, una obra previamente publicada hace exactamente diez años. Vital y de una rebeldía entrañable e introspectiva, la novela de Luis ofrece una vistazo a la relación padre-hijo pero excluido con minimalismo sagaz, de los lugares comunes del resintimiento post adolescente. Su deliciosa lectura propone un nuevo vistazo a los conflictos paternales, certerísmos si lee en la imprudencia juvenil, dicho esto como un halago…

¿Reescribiste todo Bloody Mary desde la primera letra? Cuando escribir desde la hoja en blanco ya es de por si doloroso ¿Que se siente? ¿Será como la remasterización de los discos que hacen por aniversarios? Con corrección de errores, agregan b-sides, etc. 

Tomé la última versión de la novela y en un documento vacío la reescribí palabra por palabra, quería  contarla mejor, hacerla vivir. ¿Cambió la historia? No mucho, pero los personajes, la técnica, la prosa, son distintas, mejores, menos dubitativas, creo que ya hay voz y estilo. Mi primera novela, vista desde ahora, era ambiciosa, pero no del todo bien ejecutada, creo que no tenía suficiente experiencia con las palabras, los ritmos, las voces. Y como fue escribirla de nuevo, más que  remasterización, diría que es la misma rola pero en voz de otro intérprete, con más elementos. Es un proceso arduo y aburrido, pero nunca aprendí tanto, sólo por eso ya valió la pena. 

Las Buenas Costumbres es ante todo, una novela sobre la familia. Esteban, su protagonista, es un personaje que reniega de su padre. Y en este tiempo entre Blody Mary y Las Buenas Costumbres ya eres papá: ¿cambió esto la perspectiva de tu propia novela?

Creo que más que la perspectiva de la novela, lo que cambió con mi hijo es la forma de acercarse a la obra: tienes menos tiempo frente al teclado, así que planeas mejor tus movimientos, tratas de aprovechar lo máximo los momentos de escritura. Esbozas al tiempo que ves al nene jugar y hacer berrinches. Sebastián, padre de Esteban, es muy distinto a mí, no creo que sea un modelo a seguir, quizá podría serlo por contraste. 

¿Que escuchabas mientras re-escribías Las Buenas Costumbres?

Salvo con Por la noche blanca, mi novela con personaje reguetonero, siempre que estoy frente a la página escucho música clásica sin mucho estruendo, que me permite concentrarme: piezas para piano de Chopin. Bach y sus suites para Chello. Ese es el tono y las escucho hasta el cansancio, una y otra vez, como si fueran un mantra, el cambio me distrae. En esos días, hace un año, fuera del teclado escuché mucho a Erykah Badu a Solange a la Mala, que siempre me trae buenos recuerdos de vidas pasadas, incluso ahora que es reguetonera. 

Eres también un filósofo entrenado en los gelatinosos ámbitos de las ética y la moral: ¿crees que estos tiempos de cuarenta cambiarán nuestras percepciones de familia, ética y moral? Sobre todo en los jóvenes que muy probablemente verán sus dinámicas afectadas…

Lo que sucede con la cuarentena es que se trastoca la vida como la conocemos, y nuestras reglas morales son para la vida libre. Seguro que le daremos más valor a cosas que dábamos por sentadas, como la libertad de reunión y de tránsito. Y algo que, al menos en mi caso echo mucho de menos: la soledad, unas horas sin nadie y el futuro, ¿será que merecemos una vida con la menor incertidumbre posible?

¿Que papel juega y jugarán los libros después de este medio tiempo global? Y porqué habría que apoyar las iniciativas como las de Dharma Books?

Es muy importante distinguir que hay muchos tipos de libro y que, dentro de todos, los de literatura son los menos, sobre todo porque difícilmente son negocio, menos con los grandes números de las trasnacionales, que venden cientos de miles de libros de youtubers, de autoayuda, de historia light. A la luz de aquello una novela que vende 1000 libros suena a poca cosa. Así que la apuesta por la literatura en esos grupos editoriales es siempre frágil, una lucha constante con la realidad de las ventas. Los grupos independientes apuestan a ese difícil negocio de vender literatura, y por eso suelen estar en un espacio incierto. Y no debemos perder de vista que amplían la oferta de libros, permiten la diversidad, hacen apuestas difíciles. Sin ellas tendríamos una reducción terrible en los libros que podrán escoger los lectores. Una sociedad sin editores independientes es peor y, por eso, quienes creemos en la diversidad, debemos entenderlas como parte del mundo que queremos y hacer lo que está en nuestras manos para que sobrevivan. 

Las Buenas Costumbres en Combate a 10, es editado por Dharma Books, editorial auténticamente independiente que con apenas 4 años recién cumplidos, ya cuenta con un catálogo de 18 títulos de corrientes alternas que la vuelven un punto básico en el panorama de las letras mexicanas. Pueden adquirirlo sin salir de casa por diversas plataformas y leerlo con este ep que Muñoz comparte sobre algunos tracks que acompañaron su reescritura.

Sin saber exactamente como cuando y como retomaremos la vida como era hasta antes del Covid19. Pero hoy más que nunca, vale la pena recordar que cada crisis es una oportunidad para cambios que puedan mejorarnos como personas en sociedad. Por tal motivo, nos acercamos con Víctor Íñigo, fundador del ICAT Instituto de Consejería y Análisis de Temperamento A.C. en donde se generan modelos innovadores que desarrollan extraordinarias habilidades para mejorar las relaciones interpersonales en el marco de una existencia más plena. Indispensables en tiempos donde las relaciones personales conviven con el estrés que genera la incertidumbre de la pandemia.

“Ya sea que esto se viva como una gran catástrofe, una crisis mundial de salud, una crisis económica o un evento nuevo sin precedentes, o todas las anteriores, es natural, como siempre sucede con nosotros los seres humanos, tener diferentes perspectivas de lo que está sucediendo. Sin embargo, el común denominador en el confinamiento que nos atañe, es la pérdida de la libertad, de las actividades cotidianas y de las interacciones físicas, con sus respectivas repercusiones, y con todo esto ¿Cómo no perder mi identidad?. Si no me pierdo a mí, entonces no todo está perdido” nos comenta Víctor.

Así que aquí te presentamos algunos consejos para que literal, no te pierdas en tu habitación, y aproveches este tiempo para potenciar cosas que seguro posees y no te habías dado cuenta

Aún puedo ser “Yo” incluso durante el confinamiento

Estamos seguros que eres bueno en algo: ¿Qué de eso, para lo que eres bueno, puedes seguir haciéndolo dadas las nuevas circunstancias? Piensa en ello, dibujar, decorar la tabla, escribir, rediseñar tus Vans favoritos, Trabajar en esos pasos de baile que nunca te salen.

Me gusta mi vida, y me gusto “Yo”, aunque no me gusta lo que está pasando

Paradójicamente, la pandemia nos obliga a reflexionar en el bien colectivo, pero con sana distancia. Bien. Piensa que distanciamiento físico no significa aislamiento. ¿Cómo puedes provocar cercanía (no física) con aquellos que son importantes para mí? Cultiva la relación conmigo mismo. Quiérete y cuídate lo suficiente. Date tiempo. Hazle caso a los Divinyls. Seguramente necesitas muy pocas cosas para estar bien en estos tiempos. Lo que sientes es válido, pero no define quién eres ni el valor que tiene tu vida, que sigue siendo buena a pesar de las circunstancias, aunque no lo creas. Clávate en eso. Pon tus rolas favoritas. Vans está publicando playlist buenísimos. Haz los tuyos.

Yo estoy a cargo de mí, también durante la pandemia

Tienes total libertad de decidir sobre aquello que te fortalece. Úsalo para que se fortalezcan los demás. Si tienes buenas acciones contigo mismo, podrás tenerla con los demás. Piensa en esos valores que te mueven y trata de demostrarlo a quienes te rodean. Utilízalo a favor. No te pelees y deja ser a los demás. Sabemos que el encierro puede estresarnos y decir cosas que en verdad no sentimos. Y muy importante: ¿Estás poniéndole más atención a aquello que no puedes hacer por la cuarentena? Porque no empiezas pensar en eso que si puedes hacer, quizás porque tienes más tiempo.

El sentido de estar confinado conlleva el máximo valor existencial: es bueno para mí y para los demás

Piensa esto: la pandemia terminará. El sufrimiento pasará. Hay un futuro.¿Qué puedes hacer para que algo bueno salga de todo esto? Mientras sigues adelante, imagina como vivirás la vida para que sea más plena en el contexto del nuevo mundo después de la pandemia. Tranquilidad ante todo. Sobreviviremos. Y las nuevas opciones serán como un continente por descubrir.

Si sientes que requieres algún consejo en especial, escribe a Víctor Íñigo para aclarar cualquier duda o inquietud

victor@icat.org.mx

Así arranca Desenfrenadas, la auténtica road movie dividida en diez capítulos que está convirtiéndose en el suceso de Netflix, cien por ciento hecha en México, que narra la aventura de cuatros mujeres golpeando la carreteras en tiempos donde la sociedad parece reconfigurarse a partir de cuestionamientos y la tecnología nos obliga a evolucionar a velocidades para la que no estamos preparados.

Desenfrenadas es una idea original de Diego Martínez Ulanosky, quien se ha armado un generoso playlist exclusivo para los lectores de Since66 en estos días de cuarentena incierta, sobre la música que lo acompañó en el proceso creativo de esta serie, que cabe decirlo, no fue apresurado. Todo lo contrario. Llevó años de escritura, corrección, presupuesto, producción y música. Mucha música. Porque algo crucial en la serie, son las canciones que funcionan como extensión de la personalidad de las protagonistas, y metáforas de los temas que se abordan.

¿Qué impacto tiene para ti la música?

La música me hace viajar. No solo a otros lugares sino a otros tiempos, momentos que me marcaron, a sentimientos que alguna vez tuve y por alguna razón quedaron encadenados a ciertas canciones. No siempre las canciones que me apasionan. Si me rompieron el corazón en un antro donde sonaba una canción de moda, probablemente esa canción se vuelva parte del soundtrack de mi vida y como un perro de Pablov, al escucharla sienta que me sangra un poco el pecho. 

¿Cómo se relaciona la música en tu proceso creativo?

Cuando escribo, escucho música. Me obsesiono, busco bandas que me provoquen los estados de ánimo que necesito,  que me ayuden a entender cómo piensan y sienten los personajes. No es nada fácil ponerte a pensar y hablar como otra persona, y más cuando es tan diferente a ti. Por eso, cuando encaro un nuevo proyecto lo primero que hago es escribir una completa biografía de cada personaje con la/el que voy a convivir. Su historia, cómo es su familia, a qué escuela fue, su perfil psicológico, su color favorito, de qué signo es, cómo se ve a sí mismo, cómo lo ven los demás, y por supuesto, qué música escucha. 

¿Escuchaste algo específico mientras escribías Desenfrenadas?

Cuando escribía Desenfrenadas la música estuvo presente en todo momento.  No solo porque un roadtrip sin música no es un roadtrip, sino porque la música me ayuda a transmitir sentimientos que a veces es difícil poner en palabras. La mayoría del sountrack está conformado por artistas mujeres, latinas e independientes. Ese era justo el tono de la serie que quería. Desde que empecé a escribir el guión, con Estefy Leal, que también es productora de la serie, nos pusimos a buscar todo tipo de artistas, en Soundcloud, en Spotify, desempolvamos viniles y CDs.  Así me hice fanático de bandas tan eclécticas como Los Espíritus, Nathy Peluso o Loli Molina, que al final terminó haciendo una versión especial y acústica para el episodio 6 de su canción “Viajando”.

Algunos géneros, artistas: ¿influenciaron en la forma en la que construiste los personajes de Desenfrenadas?

Si Vera nació el mismo día que falleció Kurt Cobain y cree que es su reencarnación, por supuesto en su playlist tiene a Nirvana, pero también es fan de Bowie, de Lana del Rey, de Ruzzi, Chromatics, y María Daniela. Porque es compleja, porque vive en un mundo fashion de fiestas electrónicas y porque lucha entre ser quien es y quien quiere ser. Así con cada una, el desafío es entender qué música la representa. Me divierte mucho pensar qué canción escucharía mientras se baña, qué mostraría a sus amigos y qué canción escogería para llorar y fumar sola. 

Tal vez la más simple en cuanto a gustos musicales es Rocío, que no se considera una melómana y básicamente escucharía la radio de hits mientras va camino al hospital, En su playtlist tendría a Elsa y El Mar, que la conoció gracias a Carlota, a Shakira, Moenia, Zoé y Hello Seahorse. Carlota, por ejemplo, es una mezcla extraña de trova, reggaetón y pop, y esto para mí refleja sus extremos, la búsqueda de quién es.  Puede escuchar a Sotomayor, Francisca Valenzuela, Perotá Chingó, Bebe o Masta Quba, y también a Silvio Rodríguez o a Tomasa del Real. Marcela, por último, escucha música urbana, algo de banda, algunas canciones de rock que usa para bailar y hacer catarsis. El playlist de Marcela es puro fuego, es sexo y violencia, y así pude entenderla mejor a la hora de hablar y pensar como ella. Ponía a Nathy Peluso o a Ms Nina con la computadora en blanco y mis manos escribían solas.

¿Cómo describirías el playlist que compartes a Since66 de Vans?

Mi playlist personal de Desenfrenadas es una ensalada de estilos y géneros, y también de artistas y bandas nuevas que descubrí y me volví fan. Cuando escribía los episodios de Oaxaca escuchaba mucho Elsa y El Mar, Ruzzi, Cigarettes after Sex y Lana del rey, que por alguna razón que no entiendo, me inspiró mucho para entender a Marcela y su relación con Joshua (aunque sé que Marcela no la escucha y probablemente no sabe ni quien es).  La escena del episodio 4 cuando Vera sale corriendo del coche y se tira en la montaña se me ocurrió viendo el videoclip de “Million Reasons” de Lady Gaga, y la escena cuando ama “Pobre estúpida”, me surgió en una fiesta en la Zona Rosa a la que fui con amigos muy Vera. Mientras escribía los episodio de Puerto Escondido, no podía parar de escuchar todas las variantes de surf rock, psicodelia y música setentera. Así conocí a Ayer Amarillo, con la que vuelan en hongos, o a los Mexican Weirdoh´s.

Sin más preámbulos, aquí el playlist de Diego. Desde luego, la experiencia se complementa viendo Desenfrenadas en Netflix, refrescante opción para la cuarentena.

Pero si algo está demostrado, es que la música es un gran alivio hasta en esos momentos en los que parece no haber luz al final del túnel. Sin olvidar, que las notas y las voces, letras y acordes, que con todos esos elementos que dan forma a las canciones, tendremos compañía asegura.

Porque sabemos que los soundtracks se convertirán en uno de los aliados más solidarios en estos días difíciles, hemos invitado a artistas, escritores, músicos, cineastas, productores y demás personalidades, a que nos compartan un playlist curado desde su perspectiva, gustos y memorias, para que la música no falte en esta temporada de inesperado confinamiento.

Y empezamos con un invitado de lujo, Antonio Ortuño, probablemente el escritor más audaz del catálogo mexicano. Profundo conocedor del punk y del ruido crudo, sin conjeturas pretenciosas. Su libro Olinka, sobre el lado oscuro de la clase media, fue, quizás, el suceso literario del año pasado.

Ortuño nos describe la sensibilidad de sus exactamente 100 canciones que conforman este recorrido:

” La idea de esta playlist es doble: por un lado, agrupar música relacionada con el punk rock desde varias tradiciones que convergen o se separan por épocas y estilos, pero dan un panorama amplio (y creo que bastante sabroso) del tipo de música que prefiero. Y por otro, eludir de algún modo las caras y canciones más conocidas (aunque algunas son ineludibles y sería un error ignorarlas), para dar entrada a otros grupos o, al menos, a cortes menos conocidos de los clásicos. Total: la idea es que sea una lista prendida, agradable, y que sorprenda tanto al iniciado como al novato en estos terrenos”

Disfruten:

También La Peste, de uno de los representantes más nihilistas y entrañables de la corriente filosófica del existencialismo, Albert Camus, empieza a escasear de las librerías. Es comprensible. La novela es una crónica que empieza “el 16 de abril de 194…” (o en los 40s del siglo XX, después de la guerra), justo cuando una rata sale de su madriguera para morir en la superficie de unas monótonas escaleras de los tantos edificios modernos de Orán. Al parecer, es el Dr. Bernard Rieux quien la encuentra. La hace a un lado como quien patea una lata vacía y oxidada en el camino de la rutina, los sueldos y los excesos de fines de semana. Hasta el día en que la ciudad, al noroeste de Argelia, amanece cubierta por nauseabundos tapetes de ratas muertas con sus cuellitos inflamados, anticipando la propagación de ganglios inflamados en la población, hombres y mujeres y niños sucumbiendo a la fiebre, inexplicables bultos bajos la piel y sangrientos vómitos que terminarán con la muerte de sus habitantes.

La peste había llegado a Orán.

“A partir de ese momento, se puede decir que la peste fue nuestro único asunto. Hasta entonces, a pesar de la sorpresa y la inquietud que habían causado aquellos acontecimientos singulares, cada uno de nuestros conciudadanos había continuado sus ocupaciones, como había podido, en su puesto habitual. Y, sin duda, esto debía continuar. Pero una vez cerradas las puertas, se dieron cuenta de que estaban, y el narrador también, cogidos en la misma red y que había que arreglárselas” escribe Camus.

¿Similar a lo que estamos viviendo hoy dia con la aparición del COVID19? La analogía puede provocar escalofríos. Mientras la historia de Camus se circunscribe a la periferia de Orán, es decir, pareciera que todo territorio fuera de la ciudad está salvo, la pandemia actual se extiende casi por todo el planeta. Por otro lado, los cuadros clínicos de aquellos desafortunados alcanzados por la peste fueron más catastróficos en la novela, que los datos que arrojan las estadísticas del nuevo coronavirus. Aunque confusos, pareciera que los síntomas de quien contrae el Covid-19 se manifiestan más bien en una intensidad leve, incluso asintomática, a excepción de los grupos vulnerables.

En donde si se difuminan las nociones del tiempo es en las experiencias del confinamiento colectivo. Las casas y departamentos como prisiones preventivas. Los totalitarismos gubernamentales para mantener a la población a salvo. Contener la enfermedad y no colapsar los hospitales. Los virus como un enemigo bélico. Metáfora que años más tarde sería concretada por Susan Sontag en su libro La enfermedad y sus metáforas.

Es cierto que hoy la tecnología nos permite conectarnos en tiempo real mediante aplicaciones que facilitan la interacción a miles de kilómetros, sin la necesidad de abandonar nuestro cuarto. Pero las emociones son las mismas: encierros que lentamente van dado a paso a reflexiones desesperadas sobre el miedo y la nostalgia al amparo del progreso occidental. Cosas que antes parecían triviales, de pronto cobran relevancia trascendental. Lo absurdo de la fragilidad existencial humana en situaciones límite. Sus protagonistas, Bernard Rieux y Jean Tarrou, hacen frente desde la renuncia a las convicciones religiosas que, en la filosofía del libro escrita en clave de novela, someten al hombre a una serie de castigos y recompensas que sólo despiertan guerras morales, y reducen la dignidad y solidaridad humana a falsas soberbias.

¿Que implica la sobrevivencia? ¿Acabar con el otro con tal de mantenerse a salvo? ¿O apoyarlo? ¿Que es diferencia al humano de los animales? ¿El sacrificio?

Poco antes que el Covid19 pusiera en jaque al continente europeo, tan sólo en Francia, la venta de La Peste alcanzó una cifra récord de 1700 ejemplares vendidos en una semana, según datos de Edistat, firma que monitorea las estadísticas de libros en Francia. El mismo fenómeno se registró en otros países como Italia y Alemania.

En México sigue siendo relativamente fácil encontrarlo en librerías y a precios baratos. Pero si de verdad quieren adentrarse en este clásico de la literatura del Siglo XX, que fluye rápido, sin necesidad de salir de casa, aquí hay algunos enlaces al audiolibro

O si son de los que primero buscan la versión cinematográfica, existe la película de 1992 bajo la dirección de Luis Puenzo basada casi de manera fiel en el libro con William Hurt en el papel del Dr. Rieux.

Porque no ha dejado de sacar discos desde High/Low.

Este 2020 arrancó con Never Not Together, el último álbum de Nada Surf cargado de una esperanza necesaria para estos tiempos. Sorprendentemente, nos enteramos que su vocalista, Matthew Caws, que ahora vive en Inglaterra. es un seguidor casi incondicional de Vans y le robamos un par de preguntas sobre sus modelos favoritos, recuerdos y actitud #OffTheWall

¿Cuál ha sido tu acercamiento con la patineta?

En realidad, era más de montarme en la tablas boogies de surf. En la banda somos muy fanáticos del mundo de las tablas. Me encantaban las patinetas cuando era joven, pero debo admitir que nunca fui bueno para eso. El que lo hace con altísima frecuencia es nuestro bajo, Daniel Lorca. No se si sea bueno. Pero que lo hace seguido, hasta el día de hoy, ni duda cabe.

¿Tienes algún modelo de Vans favorito para patinar o favorito a secas?

Definitivamente los Vans Checkerboard slip-ons. Son los más cómodos, para mi. Tanto para patinar, como caminar, ir a conciertos. O darlos. Salir al escenario con este par es cool. Altamente fashionista. Es un modelo que es una declaración de principios por lo icónico del estampado. Además, son de los poquísimos modelos en tenis que envejecen bien, quiero decir, que cobran otra personalidad, una muy auténtica y rebelde, callejera, cuando se ponen sucios y rotos.

Para ti, ¿que significa y que es lo más #OffTheWall que hayas hecho ?

Una cúspide. Un momento superior de autoexpresión. Tanto si haces arte o música como si le das a la patineta o surfeas en las olas más salvajes. Lo que siempre me ha gustado de Vans es su visión e instinto para mostrar a todas esas personas que inspiran al mundo con su creatividad, autenticidad y pasión. En mi caso, me identifico muy probablemente con la filosofía desafiante de Vans, en los vínculos que genero entre escribir y grabar las canciones de Nada Surf. Pero, hablando de algo puramente #OffTheWall en mi carrera, podría decir que el proceso de creación del sencillo Popular. Escribirla me hacía sentir un poco salvaje en un modo descolocado. La canción habla sobre una suerte de conferencia sobre instrucciones para elevar el autoestima y ser el más popular del bachillerato de una forma irracionalmente ambiciosa. Esto, desde luego, era una ironía poderosa y radical. Pero si existieron momentos de esquizofrenia en los que parecía que de verdad era ese tipo hablando sobre trucos frívolos para ganar popularidad. El mismo proceso experimenté cuando escribí la canción Song of Congress, que lancé el año pasado, inspirado en noticias del año pasado, cuando leí en el periodico sobre esa separación inhumana, pero sobretodo, innecesaria, de las familias de migrantes en la frontera. Me sorprendió. Fue choqueante. Era demasiado horrible tan solo pensarlo. Llamé a lo que se supone son mis representantes en el congreso, diputados locales, senadores. Luego pensé, ¿que más podría hacer aparte de dejarles mensajes acumulados en su buzón de voz? Se me ocurrió una idea: ¿que pasaría si pudiera hablar directamente con el Congreso mediante una canción? Así nació Song of Congress. Y cuando la canto en vivo, siento lo mismo que con Popular, como si estuviera frente a un auditorio lleno de una especie de congresistas típicamente estadounidenses, inseguros y preocupados por encajar, ser ganadores en esta sociedad . Interpretarlo por primera vez en vivo era inquietante. Porque, según yo, son dos canciones que no sonaba a algo que hubiera escuchado antes. Gritarla sobre el escenario era muy crudo para mi, por el contexto de ironía pero al mismo tiempo sabía que existen personas como las de la canción, dispuestas a todo por la popularidad. Pero, debo admitir, también era muy poderoso, Así que si, puedo decir que esas dos composiciones fueron muy #OffTheWall

A propósito de la experiencia y los temas que pueblan El despachador de pollo frito, hablamos con Velázquez sobre las inspiración de sus cuentos, guitarrazos y lo complicado de escribor humor extremo en estos tiempos de sensibilidades extremas:

¿Tienes una obsesión con los Melvins? 
Es una de mis bandas favoritas. Tuve la oportunidad de saludar a Buzz Osbourne en un soundcheck, es el tipo más amable del mundo. Me fanaticé más. Uno de mis propósitos de año nuevo es tener todo lo que salga de Melvins en vinyl. Pero tampoco fue a propósito ponerlo en la portada del Despachador de pollo frito. Fue obra de la divina procedencia. Y qué mejor para un libro rocker que una portada rock.

Hablando de eso, para ti, ¿que es más divertido en los conciertos, estar con el público o el backstage?
Hace poco leí la biografía de Steve Jones. Al final incluye una lista de las cosas que no son rock. Una es tener pases all access. Entiendo mucho el glamur que significa tener proximidad con las estrellas. Como fan he sentido la necesidad de experimentarlo. Pero en lo relativo al concierto, siempre he preferido estar entre la gente. Cuando entrevisté a Nacho Vegas me invitó a quedarme junto al escenario. Preferí mezclarme con la gente. No sólo porque es la mejor manera de medirle el pulso, como espectador, a lo que ocurre, también porque sin eso jamás había vivido varios de los mejores momentos de mi vida. Como por ejemplo el último show que dio NIN en México. Estaba en el Corona, atrapado en el mar de carne, hasta el culo de ácido. El mosh pit me llevaba de un lado a otro. Si hubiera estado en el bakcstage me habría perdido de esa experiencia. De esa inyección de adrenalina que me suponía estar rodeado por un ejercito de orcos bailando al ritmo que dictaba Trent Reznor. 

¿Te gusta Chabela Vargas?
No. Chabela es una muy mala intérprete. Que lucró con el sentimentalismo barato al que es muy dado el mexicano. La fama le llegó gracias a Almodóvar. Pero encajó ahí porque Almodóvar tiene una visión muy romántica del mundo. Pero no de la época romántica, si no del tiempo de sus abuelas. Por eso sus travestis son todos una calca de Sarita Montiel. No puede ver más allá del mundo de su infancia. Y Chabela explota mucho ese sentimentalismo fácil, pero lo disfraza de reaccionario. Ahora que anunciaron que Almodóvar va a llevar a la pantalla algunos cuentos de Lucia Berlin me ha parecido la peor de las noticias.

¿Tienes escritores de sci-fi consentidos?
Philip K. Dick y J. G. Ballard. El artista Daniel Guzmán me acaba de prestar los cuentos completos de Ballard. Es un mamotreto de más de 600 páginas. Estoy esperando a terminar unos pendientes para dejarme ir de hocico.

Mi propia madre es de la que a veces caen en leyenda urbana que gira en torno al Abbey Road, ¿porqué armaste un cuento al respecto?
Desde que comencé a escribir he seguido preceptos que no han dejado de acompañarme en ningún momento. Uno de ellos es el que me plantó Leonard Cohen con su libro Comparemos mitologías. Cuando leí el título y los poemas quedé marcado. Lo que entendí es que la mitología es una materia moldeable. Y por eso es que la mitología más plástica es la que está relacionada con el pop. Lo entendí desde casi el principio. Fue como una iluminación. En cuanto me cayó el veinte escribí La Biblia Vaquera. Y también comprendí que no sólo hay que comparar las mitologías sino mezclarlas. Por eso para mí la mitología posmoderna es un iPod con Los Cadetes de Linares sonando. Un mix de mitología clásica con mitología moderna. Un remix. Y en este sentido la supuesta muerte de Paul McCartney me exigía una historia. Y quizá pareciera un tanto disparatado el tema, pero traes la mitología a tu terreno y encuentras una forma mexicana de contar la historia. Es lo mismo que hace Robert Rodríguez en Del crepúsculo al amanecer. Parte de una historia de carretera para contar una leyenda de vampiros de ascendencia azteca.  

¿Beatles o Rolling Stones?
¿The Sopranos o The Wire? Me encantan los Beatles, pero prefiero a los Stones. Los dos cuentan con mitologías poderosas. La muerte de Brian Jones, la muerte de Lennon. Pero al final ha pesado más en lo sentimental la de los Beatles porque murió uno de sus líderes ideológicos. Sin embargo, en lo personal, que Jagger y Richards continúen vivos y encima del escenario es para mí tan significativo como que los Beatles ya no existan. En lo musical los Beatles son una escuela, son la universidad. En lo musical los Stones representan el acto de que al sonar la campana en lugar de dirigirte a clases agarres la calle. Los detractores de los Stones se regodean con el manido argumento de que se han dedicado a explotar el blues. Pero esto no es exclusivo de los Rolling. Lo ha hecho el rock desde sus orígenes hasta el día de hoy. Beatles incluidos. Que los Stones hayan podido sostener una carrera tan larga reinventando un género es una proeza tan grande como la invención de la vacuna contra la polio. Su último disco, Blue & Lonesome puso de manifiesto que los Stones son el vaso comunicante entre el siglo pasado y el presente, sólo ellos son capaces de conectar con ese sonido que parece salido de ultratumba, con el filin necesario para sonar como nadie. Desde los Yardbirds, pasando por Led Zep y Cream, hasta The Black Keys, ningún conjunto ha podido tocar el blues como los Stones.  

¿Lees algo específico antes de sentarte a escribir cuentos? ¿Cómo una especie de ritual? ¿O simplemente te sientas cuando te llega la inspiración?
Mi vida es un desmadre, pero para escribir cuentos soy muy metódico. por disciplina leo un cuento al día. ya sea inédito o una relectura. en ocasiones leo el mismo relato durante 30 días. depende de en qué punto me encuentre en relación a la escritura de cuentos, leo o releo tal o cual libro. es una manera de prepararme. lo hago antes, pero también durante el proceso de escritura. es para no perder de vista la estructura del relato. necesito hacerme un mapa mental de lo que voy a vaciar en la página. la mayoría de las ideas surgen mientras nado, pero al sentarme a escribir me llevo sorpresas que no estaban contempladas. pero esto sólo es gracias a que le dedico mucho tiempo a rumiar los relatos. cualquier cuentista auténtico sabe que no existe la inspiración. y tampoco la falta de rigor es el peor enemigo del cuentista. el cuentista es un ser demasiado duro consigo mismo. es la única manera de conseguirlo. aunque el relato sea breve de extensión, el cuentista tiene que aspirar a la grandeza. eso marca la diferencia entre un libro de cuentos que se va a seguir leyendo dentro de quince años a uno que en dos años ya nadie recordará.

Te están ubicando como el mejor cuentista actual de México, ¿cómo te sientes al respecto? 
No entré a la literatura para que me colgaran medallas o para conseguir puestos burocráticos. Vivimos en un tiempo en que la gente ya no hace su trabajo. Y sin embargo quieren ser reconocidos a toda costa. Obvio si escribes buenos cuentos vas a ser mencionado. La ambición es un arma de doble filo. Es un gran aliciente pero también puede destruirte. Hay que buscar un equilibrio. Nada fácil de conseguir, por cierto. Que te permita poner los pies en la tierra respecto a tu trabajo, pero no dar nada por sentado. Un cuentista debe tener hambre. Y debe ver el panorama como una competencia. Tienes que tener el deseo de ser mejor que el colega, escribir mejores cuentos que los cuentistas del momento. El más grande reconocimiento es poder terminar una historia. Sacarte de la cabeza aquello que te está robando toda tu atención, aquello que te chupa el alma y la vida. Yo me siento muy afortunado de que en este momento haya en la literatura mexicana cuentistas dotados como Antonio Ortuño. Leer La vaga ambición es para mí una inspiración. Una invitación a subir la apuesta. A querer superarlo. Eso es lo que necesitamos, es lo que han hecho nuestros antepasados para mantener viva la tradición. 

¿Qué lo que más te gusta del relato corto, ya sea el cuento o la crónica?
Mi terapeuta dice que cuando era niño viví muchas situaciones fuera de control y que por esa razón estoy obsesionado con tener el control. Lo cual me ha traído muchos problemas en la vida. Pero a la hora de escribir cuentos esa obsesión se ha vuelto un aliado. Para ser un buen cuentista se requiere tener un control absoluto de lo que ocurre en la página. Hay que mantener a los personajes, a la trama, al lenguaje, a los diálogos, a la semántica, en la misma dirección. No se puede salir el tren de la vía porque se descarrila. Eso me fascina del cuento. Tener el control sobre el destino de mis personajes. Podría parecer algo cuadrado, pero en realidad es todo lo contrario. Es dominar las leyes de la ficción. Es ahí donde radica el arte del cuentista. Un mal cuentista es alguien que quiere saltarse las reglas antes de dominarlas. El novelista tiene una libertad que el cuentista no. El cuentista tiene que pagar derecho de piso para poder quebrantar las leyes. El cuento es un duelo mental. Entre el autor y el lector. Y si al lector no le alimentas la mente no te va a respetar. 

Seguro estoy siendo bien pinche subjetivo, pero, mi cuento favorito fue el de La Cagona Star, creo que todos los gays estamos obligados a leerlo. ¿No te dio miedo escribirlo en estos tiempos en los que la gente, y sobretodo las así llamadas minorías, se ofenden por todo? En Torreón, donde se desarrolla la historia, hay muchos putos, así que allí no son minoría. En mi edificio, que tiene 18 departamentos, tres son ocupados por gays. Uno también es producto de su entorno. A unas calles está Los gallos, un bar para travestis. Yo no puedo tener prejuicios a la hora de escribir. No puedo por temor a ofender abstenerme de escribir las historias que la calle me pone a tiro de piedra. Muchos de mis amigos creen que yo tengo un gusto por los travestis. Muchos escritores  me han acusado de lo mismo. Eso es tener una mirada muy estrecha sobre lo que puede o no alimentar la literatura. Yo no veo a los travelos y digo voy a escribir una historia para escandalizar. Para mí son personajes que están pugnando por ser narrados. No tengo que meterme heroína para escribir sobre un heroinómano. La literatura funciona en dos niveles. El teórico y el vivencial. En la actualidad prospera mucho dentro de la literatura mexicana el autor de salón. Aquel que no sale a la calle. Que se nutre solo de libros. Hay también cabrones que en una cantina te cuentan historias buenísimas, pero no tienen el talento ni la dedicación para llevarla a la página. Los mejores autores son aquellos que sacan lo mejor de su biblioteca y lo conjuntan con su capacidad de observación o con lo que viven extramuros. El escritor, está en una peli de Woody Allen, es un mago negro. Un cabrón que extrae oro de las miserias ajenas. 

¿Como escribir cuentos manchados en estos tiempos de corrección política?
Corren tiempos peligrosos para la literatura. La corrección política vigila todo el tiempo la creación. Uno de los libros que estoy leyendo en este momento es Vernon Subutex 1 de Virginie Despentes. Es una novela profundamente machista. Sin embargo, ninguna feminista se pronuncia al respecto. El ejemplo que yo uso con frecuencia es Crimen y castigo. Yo leí la novela y no salí a matar a una viejita. La censura ya no existe. Porque es innecesaria. La autocensura hace todo el trabajo. Al momento de sentarme a escribir un cuento no pienso en las sensibilidades ajenas, sólo en las de mis personajes. Eduardo Lago decía que condenar el pasado es negar el presente. Lo que somos. También Margo Glanz dijo algo parecido en un tuit. No podemos abolir todo el pasado. Las peores atrocidades y lo que tiene a este país sumido en el desamparo máximo ocurre fuera de la página. Y es ahí donde creo que todos deberíamos centrar el debate. 

¿Escribirías el cuento de un joto skato adicto a los Vans?
Ya estoy trabajando mi siguiente libro de cuentos. Pero hasta el momento no hay ninguno de jotos. Pero sí he escrito de un empleado de KFC adicto a las donitas Bimbo, por qué no.

Es una de las frases que más recuerdo de Nación Prozac, el exitoso libro de Elizabeth Wurtzel, quien por un breve periodo fue considerada la versión femenina del Generación X de Douglas Coupland.

Leerlo era casi una obligación existencial en los noventa. No había internet, así que las reseñas que alababan, o menospreciaban, las memorias de Wurtzel, provenían de las secciones de libros de revistas como Rolling Stone, Spin, Paper Magazine o la extraordinaria RayGun, que devorábamos en los pasillos del segundo piso de la Tower Records de la Zona Rosa, cuando estaba en la calle de Niza y no alcanzaba para comprarlas. Por suerte, fanzines pioneros en la contracultura nacional como Moho o La Pusmoderna nos ampliaban el panorama sobre una novela que parecía describir las ansiedades de los veinteañeros huevones, primeros hijos del divorcio asimilado en hornos de microondas, apáticos y nerviosos frente al apocalipsis capitalista que se encontraba a la vuelta de la esquina del nuevo milenio. Entonces salió al mercado la Fluoxetina bajo el nombre comercial de Prozac, anunciado como el fármaco que parecía tranquilizar la incertidumbre futurista que nos acechaba, con el mismo romanticismo cyberpunk que el Soma de Aldus Huxley en su novela Un mundo feliz. Antecedente pop del Clonazepam que hoy se toman como Redoxones en el desayuno.

Más que un libro tradicional, Nación Prozac se enfrascaba en la tradición de la no-ficción auto referencial gringa. Las memorias de una morra de veintitantos años que aseveraba sus problemas con la depresión desde el dormitorio de una típica universidad norteamericana, rodeada de traumas clasemedieros, padres trastornados, excesos , resacas y canciones de Bruce Spingsteen. Por eso los elogios se dieron en la misma proporción que las pésimas reseñas, que tildaron a Wurtzel de una niña caprichosa e inmadura con un golpe de suerte como para publicar sus memorias a los 27 años. Newsweek dijo de ella que su talento como era escritora se basaba prácticamente en hacer de la depresión algo cool. Como sea, frente al entusiasmo del Generación X de Coupland, tales críticas podrían considerarse hoy como un impulso desagradable de misoginia editorial.

Literariamente, si que era un manuscrito accidentado. Pero ese no era el valor de Nación Prozac. Podrá ser caprichosamente deprimida, pero que había sido honesta, ni duda cabe. Y eso siempre se agradece. Descaradamente femenina, pocas veces visto hasta entonces, Wurtzel proponía cierta universalidad psicoanalítica atrapada en la jodida categoría generacional, con la que era fácil identificarse, rompiendo una y otra vez, barreras de géneros y sexualidad tan veneradas por las actuales generaciones, lo que en cierto sentido hace de Wurtzel una pionera de las confesiones sobre las que hoy descansan movimientos como el #MeToo.

El paso del tiempo pareció darle la razón a sus detractores con aquello del golpe del suerte, pues Wurtzel no volvió a tener éxito tan arrollador con sus libros posteriores, que pasaron despistados, sin pena ya no digamos gloria. A pesar de que se compraron los derechos para una película dirigida por Erik Skjoldbjærg y protagonizada por la supremacista indie Cristina Ricci (en el papel de Wurtzel) y Michelle Williams. La cinta fue bastante fiel al libro y en lo personal merece una segunda oportunidad pues es bastante disfrutable y sin trágicos clímax de catarsis existencialistas. Quizás el error fue rodarla con mucha posteridad, cuando Nación Prozac sonaba inesperadamente añejo apenas en 2003.

El 2020 arrancó con la muerte de Wurtzel a los 52 años, víctima de un cáncer de seno y la especulación inmobiliaria que azota a Manhattan desde hace unos diez años. Mientras batallaba con el seguro médico, tenía que enfrentar a un casero que pretendía aumentarle la renta por encima del 25%. Eso o desalojar cuanto antes. No muy distinto a la situación de Douglas Coupland por ejemplo, quien para sobrevivir se ha volcado al mundo de las galería de arte de Toronto. Duro pensar eso.

Queda una melancólica sensación tras la muerte de Elizabeth Wurtzel. Su noticia pasó prácticamente desapercibida entre tantos trending topics, a pesar de que las noticias parecieron ajustar cuentas con la justicia al devolverle su auténtico valor histórico. Si, Nación Prozac pudo haber sido un one-hit-wonder. Pero uno que registró, como pocos, el desencanto de la así llamada Generación X, que con la mente de Wurtzel, pareció decir, ahora si, adiós para siempre…

Por último. Un meticuloso playlist con las canciones que suenan tanto en la película como en el libro (más tracks millenials que de algún modo se apegan a la desesperación de Wurtzel) que aún puede encontrarse en librerías y castellano con relativa facilidad y poca paciencia…

Lo que propuse en aquel especie de fanzine impreso en cuché, es que Wilco era el Radiohead gringo, por su forma de desintegrar piezas que en principio parecen tener una estructura perfectamente definida y quizás hasta predecible, para después de un simple rasgueo, llevar la canción a un precipicio sonoro, sin desentenderse del origen, que en su caso, puede ser un country ácido. Sigo sin saber si lo que escribí fue una estupidez. Pero sigo convencido que su country es ácido, distorsionado, como vías del ferrocarril diluyéndose en zumbidos visuales.

No es tan excéntrico o diferente asociar los trenes con el universo de Wilco. Sus paisajes ferroviarios son recurrentes. De hecho, es un afortunado lugar común, que se demuestra científicamente en Vámonos, para poder volver… las memorias del fundador y sobreviviente de su propia banda, Wilco, Jeff Tweedy, editadas al español por Sexto Piso, en un español mexicano que agradecemos de rodillas, cuando Tweedy repasa su niñez con su padre trabajando.

Con la intimidad con la que bebes cerveza con el desconocido a tu lado en la barra de un pub de carretera gringa, cantina mexicana o el bar del aeropuerto y entablas conversaciones sobre puntos aleatorios de tu propia vida que llegan a punto de intimidad significativos, sin que necesariamente vuelvas a ver a esa persona en tu vida. Es algo que vuelve al libro de Tweedy hasta cierto punto insólito, eso, y la reiterativa forma chabacana y agradablemente irrespetuosa con la que se dirige al lector (influenciado por la garra de Lester Bangs), dándote órdenes, te espera para que acudas a sus referencias citadas y puedas volver y más o menos conectar con los motivos existenciales que le llevaron a componer canciones, primero con la banda de culto Uncle Tupelo y luego Wilco, que visitarán por primera vez la Ciudad de México el próximo 25 de junio. Recurso que funciona para devorarse el libro a una velocidad de escala mixolídia en constante fermentación lisérgica. Es decir: disfrutable.

Entendida la pluma de Tweedy, la memorias transitan por los paisajes que se esperan de una biografía musical y de una banda como Wilco, cuya base de fanáticos nos vemos atrapados en una irresponsabilidad afectada y hipster, pero supongo incontrolable. Descubrimientos discográficos, romance, una fundacional y disruptora anécdota con el Flowers of Romance de PiL, drogas, muchas drogas, redención, desérticos homenajes al Illinois de donde Tweedy es oriundo, reflexiones sobre el círculo de la paternidad, intromisión lasciva al proceso de componer canciones y un especial apartado al Yankee Hotel Foxtrot, que se disfruta mucho pues fue la carta de entrada con la que muchos mexicanos entramos al country de Wilco. Capítulos atravesados por adictivas entrevistas y un inesperado cómic.

Vámonos [para poder volver] Acordes y discordias con Wilco, etc. se presenta por primera vez en México con la presencia del mismísimo Tweedy en el foro del Freims (Avenida Amsterdam 62B COndesa) el próximo 24 de enero a las 6pm, previo a su concierto en el Teatro Metropolitan. Para asistir, necesitas comprar un ejemplar en Freims con el que recibirás un pase individual para un cupo muy limitado.

Apenas van bajando.

Fotos por Jessie Rebollar y Sara Fajardo.

¿Cuántas horas se necesitan para escaparse de la rutina citadina y del smog? No más de una hora, tomando a consideración el punto de partida de una zona céntrica de la CDMX.

Y el clima otoñal que en México suele ser un desastre vial dado que a pesar de las décadas, la capital no entiende que se debe invertir en una infraestructura que soporte las lluvias que inundan sus calles y esto siempre es un agravante cuando se tiene que decidir ir a la sede del festival de psicodelia más importante de México.

Sí, llegar al venue de Restaurante Las Caballerizas en Huixquilucan pareció todo un trip para quien está acostumbrado a festivales dentro de la ciudad, pero eso es un punto muy a favor de Hipnosis: el escape. Un spot rodeado de naturaleza y clima frío para disfrutar de psicodelia y stoner.

Aunque en efecto, se requiere de una férrea convicción por la música de paisajes lisérgicos para emprender esta peregrinación hipnótica que al final, tiene su recompensa religiosa.

Desde la entrada general se sentía el vibe, pues algunos locatarios aprovecharon para vender pulque. Nada mal para abrir garganta antes de entrar y sentirse parte del contexto sin importar la lluvia constante.

La interacción con el frío estimulaba a entrar en calor como cosaco deprimido, para de algún modo, entrar en la temperatura y estado necesario que permitiera conectar con los riffs que incitaban a una alteración de los sentidos. En otras palabras: a ponerse hasta la madre entre los árboles.

Quien no fue bien preparado, seguramente la sufrió; aquí en Since66 nos lanzamos bien armados para el clima extremo y empezar la aventura con Crumb.

Preciso, así estuvo el set de Crumb quienes tocaron hicieron un buen mix de su repertorio junto con material nuevo. 4 canciones frescas para el Hipnosis y que sirvieron como un buen warm up. Una vez concluido, hicimos recorrido dentro del “pequeño” perímetro del festival, pero que estaba bien distribuido.

El escenario Abducción x Vans hosteó a diversos DJ sets para amenizar el food court.

Si bien el acto más esperado era Stereolab que por primera vez ofrecía un recital en México cargado de ondulaciones espaciales y consignas marxistas, una de las afortunadas sorpresas fueron Uncle Acid que evocaban ensoñaciones a los momentos más pirados de los Monkeys, en su etapa cuando hartos de que los acusaran de falsos y prefabricados, se concentraron en tocar sus instrumentos de forma desorientadamente prodigiosa. Sin conocer mucho de ellos, sus coros eran envolventes.

Para su servidor, el mejor spot fue en la colina donde había muebles hechos de pallets debajo de un árbol. Toda una guarida para visualizar todo el terreno de campo y con vista preferencial al escenario principal.

La ventaja de festivales como el Hipnosis es que cualquier punto es bueno para dejarse viajar porque su selección musical no es precisamente visual, aunque las animaciones ayudan a estimular las sensaciones, uno puede echarse un empujoncito desde cualquier punto y permitir que la música te llegue con ciertas adulteraciones sónicas. O es lo que yo hice desde el rincón más despistado, darle unos jalones al popper justo cuando el proyecto de Claypool Lennon Delirium salieron al escenario, el cerebro detrás de Primus y el primogénito del heróico Beatle y la más valiente Ono en un número que conjunta las fantasía retorcidas de Les Claypool (aunque más dosificadas de cuando se enfrasca con Primus) con los homenajes groovys de Sean Lennon a su padre con mucha instrumentación proveniente del Sargent Pepper y el Yellow Submarine. La mezcla es quizás sonoramente literal, demasiado evidente cuando en las rolas resaltaba los traumas de Primus y la irrupción nostálgica de la invasión británica muy orgullosa del descubrimiento del lsd, pero esto no es algo necesariamente malo, con las sustancia adecuadas. Fue como una pervertida terapia de grupo en dónde hablábamos hacía nuestras padres mientras escuchaban a los Beatles, o esa experiencia me daba el calambre cerebral que traía.

Se respiraba mucha expectativa por los japoneses de Kikagaku Moyo que aunque bien plantados frente a una enorme pantalla de televisión de bulbos acaparando el backstage, en un claro compromiso por revalorar el pasado y los orígenes del rock psicodélico, en lo personal, el lugar común de sus cabelleras me desesperaban por la obviedad de su compromiso retro y me parecieron complacientes a la hora de entender la psicodelia, muy atorados entre Tame Impala y los Black Angels. Hubiera estado chido que en su revisión vintage incluyeran algo de la Señorita Cometa.

Desde luego, Stereolab dio cátedra de lo que según los críticos clavadazo debe ser el post-rock, el electropop de vanguardia, la tropicalia lisérgica, el jazz alterado por el motorik, o cualquier categoría rebuscada para ubicar una legendaria que flota a través del tiempo por mérito propia. Probablemente Stereolab haya descifrado el sonido de la velocidad de la luz mucho antes que la ciencia con humanos viajando a través del tiempo.

El cierre del escenario principal no pudo haber estado mejor que con Fu Manchu. Padrinos del stoner que dieron cátedra de como una línea de bajo puede sonar cruda, subirle a los amplis e incitar a un mosh pit a pesar del cansancio y lodo.

Y si, Fu Manchu fue como un asalto de crudeza sofistacada a prueba del tiempo.

Nos dimos cuenta que Hipnosis se tenía que disfrutarlo bien acompañado (como se quiera interpretar si con amigos para echar el joint o alguien para abrazar) porque el ambiente lo exige.

Los shout outs se los llevaron Bob Mustachio quien fue el encargado de darle vida visualmente al escenario principal y Alma Negra Café por rifarse con esos cafés bien ad-hoc.

Al final Wences y MJ no estuvieron juntos y lo único que los unió fue el lodo, un sábado con buenos vibes y el cambio de horario.