Q & A con Western Addiction: liberación de energía en Frail Bay
Q & A con Western Addiction: liberación de energía en Frail Bay
Rápido y ruidoso. Ese es el sonido característico de Western Addiction, acompañado de una voz que parecería enojada y es entendible al saber que vienen de una escena donde la empatía prevalece, pero su contexto de San Francisco no los deja, irónicamente.
Western Addiction sacó su tercer disco llamado Frail Bay bajo el sello de Fat Wreck Chords y claro que tiene el sonido que representa a la disquera, pero a lo largo de todo el álbum hay metáforas para ser positivo ante un sistema que agranda la brecha de desigualdad y sirve como un liberador de rabia del quinteto.
Charlamos con Jason Hall, vocalista de WA, para poder entender más de Frail Bay, la influencia de las artes en su música y vivir en una de la ciudades más open-minded del mundo.
Since66: ¿La música es una adicción?
Western Addiction: Diría que es sólo parte de mi ser y no me siento cómodo a menos de que esté prendida. Veo la música como un elemento esencial en la vida, como veo el refugio, la comida, etc. Me gustaría que se trasladara a la base de la pirámide de necesidades Maslow.
Como soy una persona que hace canciones, escucho por placer y las estructuras básicas de lo que hace que las personas reaccionen con gran entusiasmo a una canción.
S66: ¿Fray Bail es un disco PMA (Positive Mental Attitude)?
WA: Sí, absolutamente lo es. Me doy cuenta de que está escondido dentro de un abrasivo y punzante disco de punk hardcore, pero todos los temas tienen una idea en común. Nuestro disco Tremulous fue tan deprimente que quise establecer el tono para marcar la diferencia. El mundo enfrenta desafíos, así que ¿por qué no intentar hacer algunos gritos de batalla inspiradores?
S66: Acaban de sacar Fray Bail, pero me gustaría saber más del proceso de grabación.
WA: Grabamos con Jack Shirley (Deafheaven, Gouge Away, Jeff Rosenstock, etc.) en Atomic Garden en Oakland, CA. Es un hermoso estudio y disfrutamos mucho la experiencia. Por lo general, estamos bastante preparados antes de llegar al estudio y teníamos todos los arreglos y melodías completadas al 99%.
Experimentamos un poco con la instrumentación y la melodía, pero en su mayor parte, estábamos listos para comenzar. Jack nos animó a grabar en vivo en una cinta, lo cual nos preocupaba, pero conseguimos un mejor rendimiento en la banda. Como cantante, encuentro que el estudio es más difícil de crear la energía necesaria que necesito para ladrar realmente las palabras. Es muy diferente de un espectáculo en el que puedes confiar en la energía pura del entorno.
También tuvimos algunas estrellas maravillosas invitadas en el disco. Brenna Red de The Last Gang hizo voces en algunas canciones, su voz es increíble, como la de Joan Jett. Darius Koski de Swingin ‘Utters vino y tocó el viola, violín, piano, pandero y también cantó un poco. Es un músico talentoso y las ideas fluyen de él sin esfuerzo.
Pasamos unas dos semanas en total, repartidas en un mes. Creo que este es buen approach para que las bandas tengan algo de tiempo, puedan reflexionar sobre las canciones y arreglar cualquier cosa que podrían lamentarse por andar en el rush durante todo el proceso.
S66: ¿Cómo fue que ‘The Leopard and the Juniper’ terminó como una canción para mandar a la mierda al capitalismo?
WA: Por lo general, tengo temas para canciones y hago que los personajes de la canción se conviertan en metáforas para llevar a cabo un tema.
Leí un poema de TS Eliot llamado Ash Wednesday en el avión que iba al Punk Rock Bowling en Las Vegas, porque traigo un libro en cada tour. Hay una línea sobre tres leopardos blancos sentados debajo de un árbol y me pareció tan vívido que estos animales privilegiados se sentaron a la sombra mientras el resto de nosotros moríamos de hambre.
Este tema está presente en muchas de mis canciones porque lo experimento viviendo en San Francisco. Mi ciudad está realmente rota y es el epicentro global de los subproductos del capitalismo. ¿Cómo puede una ciudad que tiene tanta riqueza tener tantos problemas? Ir a la ciudad cada día me rompe el corazón. No soporto ver gente durmiendo en la calle mientras puedo sentir la riqueza a mi alrededor. Me parte el alma y por eso hago canciones al respecto.
Siempre estoy muy consciente del desequilibrio de nuestra Tierra y de cómo mal administramos nuestros recursos, pero la pandemia global me ha abierto los ojos aún más.
S66: ¿Qué tal estuvo trabajar con Jack Shirley?
WA: Disfruté mucho trabajar con Jack y recomiendo cualquier bandas que haga un grabe con él. A algunos de los chicos de la banda realmente les gusta estar en el estudio, pero a mí generalmente no, pero esta vez fue diferente.
Tenía ganas de ir todos los días y hacer todo lo posible para hacer un buen disco. Realmente me gusta el enfoque de Jack sobre cómo se debe ejecutar un estudio. Su espacio es limpio, moderno e hiper profesional. Jack es un profesional total, entendió nuestro mundo.
Por ejemplo, preguntó si una parte en particular era una voz grupal y le dije: “Sí, pero es The Clash (3 chicos cantando seguidos) y no Agnostic Front (un grupo de personas alrededor de un micrófono)”. Sé que eso suena tonto, pero son simples matices los que se hacen sin esfuerzo. Es una persona muy positiva, mantiene el impulso y ofrece los consejos necesarios, pero no trata de cambiar quién eres como banda. En todo caso, quiere que suenes como la banda que eres, pero a gran escala.
S66: ¿Podrías hablar más de la referencia Midnight in Paris la película en la canción ‘Fray Bail’?
WA: Me encanta Midnight in Paris. Sé que es alegre y probablemente no realista, pero me encanta todo y la vida de los artistas en París en los años 20. Me encantan las personas que pasan el rato, haciendo bellas obras de arte y poesía, toman vino, discuten política en una naturaleza subversiva y luego asisten a estas fiestas surrealistas geniales por la noche.
Simplemente hay algo tan puro al respecto y ocurrió en un momento en que es posible que no haya sido herido por la culpa de perseguir algo tan egoísta y emocionante.
Esta canción, ‘Frail Bray’ trata sobre la depresión persistente y es un poco autobiográfica. Siento que tengo este agudo sentido del mundo y a veces es hermoso y a veces es una maldición. De ahí es de donde proviene la línea ““clarity like a twenties painter, suffer beauty but taste the glory”.
Esta canción es el título original del disco “Helle Époque”, que es una obra de teatro en La Belle Époque que se considera una “golden era en el tiempo antes de la Primera Guerra Mundial a la que hacen referencia en la película.
S66: Está interesante como una canción está dividida en 2: ‘Rose’s Hammer, Pt. 1’ y ‘Rose’s Hammer, Pt. 1’, ¿cuál es la historia de hacerlas así? porque musicalmente son “un poco diferente”.
WA: Para ‘Rose’s Hammer’, quería hacer una canción en dos partes unidas pero que estuvieran unidas universal y musicalmente en el tema.
La primera parte es como un hardcore tradicional y la segunda parte fue referida como una parte lenta, “stoner punk”. Me encantan las diferentes formas de la música. Me gusta la sensación y el groove de Cream o Queens of the Stone Age, así que probé ese estilo. La canción trata sobre la maternidad. Mi esposa es una doula certificada, así que obtuve información interesante sobre el poder de la maternidad y cómo se le malinterpreta. Estas canciones son un homenaje a ese poder.
S66: ‘Wildflowers of Italy’ habla de que la tierra tiene la posibilidad de curarse a sí misma y siento que hace match con estos tiempos/futuro, ¿tendremos la posibilidad de sanar lo que hemos perdido?
WA: Me doy cuenta de que estamos sufriendo la pandemia, pero la Tierra está obteniendo lo que necesita y siempre lo hará, incluso si los humanos interfieren en el camino. Al igual que los incendios forestales de 2018 en California que incendiaron mi ciudad natal, esa es la forma en que la Tierra dice: “Por favor, deja de consumir, deja de faltarle el respeto a tu entorno y a tu prójimo, y si no lo haces, lo haré, sin duda, hacerte parar y perderás”. Intento ser consciente de esto, pero incluso para mí, me he dado cuenta de que realmente no necesito nada más que comida y mi familia.
S66: Su primer disco Cognicide salió en 2005 y ahora Fray Bail en 2020, ¿cuál crees que ha sido el principal cambio?
WA: Creo que el cambio principal es que espero entender un poco más la composición de canciones y tratar de no olvidar que la música es un regalo. A medida que envejezco, respeto más la música y me doy cuenta de la suerte que tenemos de estar haciendo discos y tocando shows. Sé que no podemos hacer esto para siempre, así que estoy tratando de disfrutar un poco más el momento.
S66: Han estado en la escena hardocore-punk desde hace ya un tiempo, pero ¿cómo es para alguien punk vivir en San Francisco, una de las ciudades más caras del mundo, pero al mismo tiempo más open-minded
WA: La ciudad que conocí y amé se fue hace mucho tiempo. Cualquier razón por la que le diría a alguien sobre vivir en San Francisco (música, arte, cultura, mentalidad abierta, etc.) no podría decir eso ahora. Incluso algunos amigos de bandas durante las giras temen venir ahora.
Es un lugar completamente diferente y está roto debido a la desigualdad de la riqueza. Se podría pensar que un lugar con tanto dinero sería un lugar de las maravillas, pero es exactamente lo contrario. He estado en muchas ciudades grandes de todo el mundo, pero solo en SF tuve que pasar por encima de las agujas en las calles, y eso lo odio.
S66: ¿Cuál crees que ha sido el cambio de mentalidad de los 90s con la de ahora en 2020?
WA: Estaba viendo un documental sobre Eliott Smith la otra noche y había personas hablando de lo devastador que fue cuando comenzó a hacerse popular a nivel mundial. Me recordó lo extraño que era el mundo de la música en los años 90, donde el éxito y la conciencia eran algo malo.
Parece tan extraño en el mundo moderno que si alguien se te acerca y te dice: “Nos gustaría darte algo de dinero para hacer discos y salir de gira”, dirías que no. Definitivamente también me quedé atrapado y mirando hacia atrás, es una tontería. QUIERO que mis bandas favoritas tengan éxito y que la gente las escuche. La música es para todos y debemos compartirla.
S66: ¿Es AC/DC una de sus principales influencias en el reciente disco?
WA: Totalmente. Siempre lo son. En la banda amamos a AC/DC. Aunque técnicamente podríamos describirnos como una banda de “hardcore punk”, el espíritu del rock definitivamente está en la banda y siento que es parte de nuestro sonido ahora.
Nos encanta todo sobre AC/DC y hablamos de ellos todo el tiempo. La canción ‘Big Gun’ es de nuestras favoritas. Nuestra banda siempre está atrapada en este inframundo entre pop-punk, hardcore y metal; queremos ser una banda que trascienda géneros como Motorhead y AC/DC. Cuando estás en una banda de punk, tiendes a alejarte de ciertas progresiones en los acordes que son demasiado “rock”, pero en este disco, le dimos una oportunidad y cuando veas a los seguidores escucharlo por primera vez, la gente responderá.
S66: Casi no tourean tan seguido, pero ¿cómo llevan una buen dinámica para hacer y tocar música?
WA: Todos tenemos trabajos de tiempo completo y familias, por lo que no podemos hacer una gira durante nueve meses al año, pero aún podemos tocar muchos shows. Podemos salir de gira unas pocas semanas al año, viajar a Europa o Japón.
Vemos a la banda como una alegría pura y nos gusta hacer música juntos. Practicamos todas las semanas, incluso cuando no tenemos un gig. Se trata más de la alegría de hacer algo juntos v.s. viajar todo el tiempo. Sin embargo, me encanta estar de viaje, es emocionante.
S66: Si pudieran dar un show en algún museo, ¿cuál sería?
WA: Buena pregunta. En San Francisco, hay un museo llamado DeYoung que exhibe arte moderno. Hacen series de conciertos de verano y siempre he deseado tocar alguna vez. Los he contactado, pero NUNCA tienen nuestro estilo de banda. Está en un espacio tranquilo y hermoso, así que dudo que quieran que la gente se vuelva loca allí. Siempre deseo que haya algún tipo de error administrativo, que nos confundan con un músico clásico o una banda de dream-pop y accidentalmente nos dejan tocar.
Mi cuerpo se siente más tranquilo cuando camino por los museos. Sería maravilloso tocar el DeYoung pero, por supuesto, me encantaría tocar en cualquier museo grande del mundo, el MET, el Louvre, Guggenheim en Bilbao, etc. También quiero tocar en el museo de los Ramones en Berlín. La Legion of Honor en SF es uno de mis museos favoritos y sería grandioso tener un show allí también.
